Може ли да има по-революционен, противоречив и авангарден художествен стил през 19-ти и 20-ти век от абстрактното изкуство? Абстрактното изкуство е оставило трайно влияние върху света на съвременното изкуство и продължава да набира скорост сред художниците по целия свят. Разнообразието от абстрактни стилове на изкуството, включително супрематизъм, абстрактен експресионизъм, монохромен и блоков цвят, са представителни за невероятно разнообразната и многостранна природа на абстракцията.

Отхвърлянето на традиционните прецизни изобразителни форми на изкуството е отличителна обща черта сред абстрактните художници, които вместо това са избрали да изразяват лични емоции и значение чрез своето изследване на чиста форма, геометрични форми, смел цвят и текстура, като по този начин оставят след себе си разпознаваеми обекти и фигурални композиции. Ранните пионери на абстрактното изкуство (Василий Кандински и Казимир Малевич) и техните наследници (Марк Ротко, Джоан Мичъл) са много прославени заради своя визионерски, новаторски стил и иновативни техники. Те избраха да прегърнат модерността и прогреса, променяйки завинаги хода на историята на изкуството.

1: Василий Кандински

Не можем да говорим за темата за абстрактното изкуство, без първо да споменем руския художник Василий Кандински. Тази видна фигура помогна за популяризирането на този стил на изкуство в световен мащаб. Кандински беше художник-визионер, който експериментира с различни идеи, включително радикална и новаторска теория за връзката между емоциите и цветовете, която предполага, че цветовете имат уникални вибрации, които предизвикват сложни, терапевтични емоции у зрителя.

Кандински силно вярваше в силата и абсолютната необходимост на абстрактното изкуство. Той гледа на художника като на вид пророк, който има потенциала да изгради Нова епоха, което той теоретизира в книгата си „Относно духовното в изкуството“ (1912). Авангардният стил на Кандински се определя от живи цветове, изразителни мазки с четка и остри форми, демонстриращи отдалечаване от традиционните естетически принципи, в опит да революционизира артистичната сцена на времето.

2: Пит Мондриан

На второ място в списъка е холандският художник Пит Мондриан, чието въздействие върху абстрактното изкуство и модернизма е наистина неоспоримо. Неговият отличителен стил е оставил трайно наследство, което е повлияло на много художници, дошли след него. Мондриан е най-известен със своите силно абстрактни картини, базирани на мрежа, които включват ясно дефинирани правоъгълници, изпълнени с основни цветове. Това ограничение до трите основни цвята, комбинирано с геометричен стил, е представително за теорията на Мондриан за „универсалната красота“, хармония и чистота.

Мондриан е основател на движението неопластикизъм (De Stijl), което възприема чистата абстракция пред всяка друга форма на изкуство. Художниците, които се придържаха към това движение, използваха само геометрични форми, както и основни и черно-бели цветове. Мондриан е силно повлиян от кубизма и по-късно развива свой собствен уникален глас, който е толкова запечатан в съзнанието ни.

3: Казимир Малевич

Черен квадрат (1915), Казимир Малевич

В същия дух като Кандински и Мондриан, руският авангарден художник и теоретик Казимир Малевич отхвърли изобразителната живопис, предпочитайки вместо това форма на изразяване, тясно свързана със спиритуализма и чистата абстракция. След като експериментира с различни стилове, като кубизъм и фовизъм, Малевич опрости стила си и започна да експериментира много с квадрати, триъгълници и кръгове, развивайки това, което по-късно ще бъде известно като супрематизъм.

Неговият манифест от 1915 г., озаглавен От кубизма към супрематизма тласка напред „превъзходството на чистото художествено чувство“, което има за цел да деконструира изкуството. Малевич е най-известен с емблематичните си супрематични картини Черен квадрат и Черен кръг (1915), с техния акцент върху геометричната форма и антиматериалистическата философия. Малевич обаче не беше приятел на съветската държава. Изкуството му се определя като „буржоазно” и несъответстващо на социалистическите ценности. Когато Сталин идва на власт, Малевич е принуден да изостави личната си художествена визия и да се върне към форма на реализъм.

4: Марк Ротко

Номер 14 (1960), Марк Ротко

Марк Ротко е латвийско-американски художник абстрактен експресионист, най-известен със своите цветни, широкомащабни композиции, характеризиращи се с видими щрихи и цветни блокове, които целят да провокират силна емоционална реакция у зрителя. Неговият характерен стил е плод на много личен и прецизен метод, състоящ се от бързи и леки движения с четка и нанасяне на тънък слой пигмент, смесен със свързващо вещество върху платно без покритие, което той рисува, за да създаде контрастни, припокриващи се цветове . Rothko смесва различни нетрадиционни съставки заедно, включително яйца и лепило, за да постигне този уникален резултат. Липсата на фигуративно представяне в картините на Роток позволява повече свобода за изразяване на определени настроения и емоции.

5: Джаксън Полък

Американският художник Джаксън Полок е ключова фигура в абстрактния експресионизъм. Неговият стил на рисуване е илюстриран от спонтанно и свободно духом отношение, известно като неговата прочута техника на „капкова боя“, при която Полок излива боя върху платно, което е поставено на пода. Вместо да използва традиционните четки и стативи, художникът ще използва различни предмети като ножове и пръчки, за да рисува. Pollock е тясно свързан с концепцията за „рисуване на действие“, стил на рисуване, който използва смели жестове и динамични мазки с четка, където тялото е по-ангажирано, отколкото в традиционната живопис. Полок веднъж написа: „Чувствам се по-близо, повече част от картината, тъй като по този начин мога да се разхождам около нея, да работя от четирите страни и буквално да бъда в картината.“ Ефектът предава усещане за неотложност и лудост, обединени с нова, много по-екстремна форма на абстракция.

„Струва ми се, че съвременният художник не може да изрази тази епоха, самолета, атомната бомба, радиото, в старите форми на Ренесанса или на която и да е друга култура от миналото. Всяка възраст намира своя собствена техника.“
(Джаксън Полък)

6: Агнес Мартин

Без заглавие (1962), Агнес Мартин

Най-известна със своите медитативни геометрични, минималистични композиции, канадско-американската художничка Агнес Мартин е една от най-видните фигури в областта на абстрактния експресионизъм. Много вдъхновена от източните философии (даоизъм и дзен), Мартин развива своя стил, съсредоточен около геометрична абстракция, която включва палитра от бежово, кремаво, сиво и кафяво. Творчеството на Мартин е доказателство за отдадеността на художника към хармонията и красотата на природата. „Дървото“ (1964) е пример за мрежовия стил на художника, който включва фини вертикални линии и „леко засенчени хоризонтални ленти“ (източник: MoMA). Въпреки че картината няма пряка връзка със заглавието, „Дървото“ не е опит да се представи реалността, а вместо това може да се разглежда като усилие да се предаде това, което художникът нарече „абстрактни емоции“.

„Когато за първи път направих решетка, случайно си помислих за невинността на дърветата, а след това една решетка дойде в съзнанието ми и реших, че представлява невинност, и все още го правя, затова я нарисувах и тогава бях доволен. Помислих си: „Това е моето виждане.“
(Агнес Мартин)

7: Джоан Мичъл

My Twins – Tribute to Joan Mitchell by Marie Manon (2020), Marie Manon Corbeil

Джоан Мичъл е допринесла значително за движението на абстрактния експресионизъм. Този американски художник е част от второто поколение абстрактни експресионисти и докато тези художници запазват значението на жестовия подход и използването на цветни капки, те се интересуват много повече от външния свят. Единствените по рода си картини на Мичъл често се отличават със смели, ярки цветове и изразителни мазки с четка. Нейните иновативни техники („оцветяване“ на сурово и негрундирано платно с разредена боя“, източник: theartstory.org) и нейният отличителен, мигновен подход към рисуването могат да се разбират като опит на художничката да разкрие скрития смисъл зад абстрактните форми, които тя би възприела в своето изследване на градски пейзажи, вода, дървета, поезия и натюрморти. Картините на Мичъл наистина се открояват от тълпата със своето насилствено и хаотично качество, което наистина сякаш оживява пред очите ни.

„Опитвам се да си спомня какво чувствах към определено кипарисово дърво и чувствам, че ако го запомня, ще ми издържи доста дълъг живот.“
(Джоан Мичъл)

8: Ад Райнхард

Абстрактна живопис (1963), Ad Reinhardt

Ад Райнхард се стреми към чистотата на абстракцията. Този американски художник силно смяташе, че изкуството трябва да бъде непредставително и абсолютно отделено от ежедневието. Райнхард обича квадратния формат, формалната чистота и работи с ограничена, монохроматична цветова палитра. Ранните картини на Райнхард се отличават с по-разнообразна цветова палитра (червено, оранжево, розово, синьо и бяло) и малки геометрични форми. От 1950 г. нататък Райнхард рисува изключително в монохромни цветни блокове със своите „Червена серия“ и „Синя серия“. По-късно той развива своя характерен стил със своята „крайно черна“ и „черна“ серия от картини. Художникът се посвещава изключително на черния цвят, който смята за „най-строгата формула за най-свободната художествена свобода“.

„Като художник бих искал до голяма степен да премахна символиката, тъй като черното е интересно не като цвят, а като не-цвят и като липса на цвят.“
(Ад Райнхард)

9: Сай Туомбли

Смъртта на Помпей (Рим), (1962), Сай Туомбли

Американският художник, фотограф и скулптор Cy Twombly е най-известен със своите мащабни, свободно надраскани картини в стил графити. Това, което по-късно ще стане известно като неговия разпознаваем жестикулационен подход към линията и цвета, е силно повлияно от различни външни фактори, включително работата на художника Пол Клее, времето на Туомбли в армията, където той работи като криптолог, и Нюйоркското училище („неформална група“ на американски поети, художници, танцьори и музиканти, активни през 50-те и 60-те години на миналия век в Ню Йорк.” източник: Wikipedia), който насърчи Туомбли да експериментира с опростена форма на абстракция.

От края на 50-те години нататък работата на Туомбли е белязана от многобройните му пътувания до Италия, където се увлича от племенното изкуство, примитивизма и римската митология. По това време Туомбли работи много с цветове, за да създаде своите живи картини. Той се отдалечи от тези ярки цветове, за да създаде платнени картини на „черна дъска“, които често съдържаха тънки бели линии и петлици, надраскани върху черни платна, които отразяваха тебешир върху черна дъска. Работата на Туомбли може най-добре да се разбере като пресечна точка между абстракцията, неговото изследване на миналото, диаграми, визуална информация от ежедневието му и класическата поезия.

10: Хелън Франкенталер

Планини и море (1952), Хелън Франкенталер

Американската художничка Хелън Франкенталер е известна със своите мащабни, абстрактни експресионистични картини. Нейната работа на тялото се характеризира с използването на спонтанни, меки и плавни форми, абстрактни композиции, пастелна цветова палитра и нейната уникална техника „накисване на петна“. Тази техника е резултат от разредена маслена боя с терпентин, която след това художникът ще нанесе върху сурово платно, поставено на пода. Франкенталер би манипулирал платното, като го повдигаше и накланяше, нанасяше повече слоеве боя с валяци и гъби и оставяше боята да капе, тече и потъва свободно в платното. Това понякога създава полупрозрачен, „подобен на ореол“ ефект, заедно с други различни форми, които се появяват върху нетретираните участъци на платното.

Кранкенталер е най-добре запомнен с това, че е участвал в рисуването на цветно поле, стил на рисуване, който използва нюанси, опростени абстрактни композиции и прилагане на големи цветни области върху платното. От 60-те години нататък стилът на Франкенталер става все по-опростен и симетричен, белязан от промяна в композицията, където художникът поставя ивици боя по-близо до краищата на платното. Нейният стил продължи да се развива и променя през годините. През 70-те години на миналия век художничката експериментира с по-големи абстрактни форми, а през 80-те години нейната работа придобива по-спокойно, по-ведро качество, което става видимо чрез използването на по-нежни цветове и мазки с четка. Любовта на Франкенталер към пейзажите, красивите абстрактни композиции и нейния спонтанен подход към рисуването оставиха траен отпечатък в областта на абстрактния експресионизъм, който продължава да резонира и днес.

„Няма правила. Така се ражда изкуството, така се случват пробивите. Отидете срещу правилата или ги игнорирайте. Това е смисълът на изобретението.
(Хелън Франкенталер)