Impressionist Cityscapes

Импресионистични градски пейзажи

Тъй като движението е дълбоко вкоренено в парижкото общество, импресионизмът е силно повлиян от обновяването на града от барон Жорж-Йожен Осман през 1860-те години. Градският проект, наричан още „османизация“, се стреми да модернизира града и до голяма степен се съсредоточава върху изграждането на широки булеварди, които се превръщат в центрове на обществена социална дейност. Тази реконструкция на града също доведе до възхода на идеята за flâneur: безделник или лежанка, който обикаля обществените пространства на града, наблюдавайки живота, като същевременно остава отделен от тълпата. В много импресионистични картини необвързаността на flâneur е тясно свързана с модерността и отчуждението на индивида в рамките на метрополията.

Тези теми на урбанизма са изобразени в работата на Гюстав Кайбот, по-късен поддръжник на импресионистичното движение, който се фокусира върху панорамните гледки на града и психологията на неговите граждани. Въпреки че са по-реалистични по стил от други импресионисти, изображенията на Кайбот, като Париж, Дъждовен ден (1877), изразяват реакцията на художника към променящата се природа на обществото, показвайки flâneur в характерното си черно палто и цилиндър, който се разхожда из откритото пространство на булеварда, докато се взираше в минувачите. Други импресионисти изобразяват мимолетните качества на движението и светлината в мегаполиса, както в Булевард де Капуцини (1873) на Моне и Булевард Монмарт, следобед (1897) на Писаро. По подобен начин тези произведения подчертават геометричното подреждане на общественото пространство чрез внимателно очертаване на сгради, дървета и улици. Чрез прилагането на груби щрихи и импресионистични цветни ивици, импресионистите предизвикват бързия темп на съвременния живот като централен аспект на градското общество от края на 19-ти век.

1897 Булевард Монмартър, следобед
Художник: Камил Писаро

Булевард Монмартър, следобед на Писаро прилага техниките на неговите по-ранни пейзажи от пленер към съвременния град. Творбата използва широки щрихи боя, внимателно нанесени върху платното, за да представи мимолетната природа на съвременния живот и визуалното впечатление, създадено от метрополията. Това е една от поредица картини, рисувани в стаята на Писаро в „Hotel de Russie“ с изглед към улицата, които изобразяват една и съща сцена в различни моменти от деня и различни сезони на годината. Поредицата акцентира върху променящите се ефекти на естествената светлина върху градската среда, което води до размисъл върху хода на времето и трансформацията на града.

Писаро е един от най-старите от групата на импресионистите, наричан от Сезан „първият импресионист“. Със смесено еврейско-френско-португалско наследство, той е роден в семейство на търговец през 1830 г. на малкия карибски остров Сейнт Томас. Ранните картини на Писаро изобразяват окъпаните от слънце плажове и палмовите дървета на дома му на острова, но той посещава пансион в Париж като дете и се премества там за постоянно през 1855 г. Той става уважаван сред другите художници импресионисти както заради артистичните си умения, така и неговата мъдрост, творбите му, характеризиращи се с ярка палитра, изобразяване на тихи пейзажи и представяне на естествена светлина. Писаро служи като наставник на много от по-младите си приятели, включително Пол Сезан, и е сред най-радикалните художници импресионисти. Наистина, Писаро вижда решението им да създадат Анонимно дружество на художници, художници, скулптори, гравьори през 1874 г. като политически значимо, съответстващо на неговите анархистки идеали за самоуправление.

Единственият художник, който е показвал работата си на всичките осем групови изложби на импресионистите (1874-1886), Писаро също е преподавал на редица художници постимпресионисти, включително Жорж Сьора – пионер на поантилистичните техники – Винсент Ван Гог и Пол Гоген. Значението на Писаро като художник и учител за развитието на модерното изкуство в края на деветнадесети век не може да бъде надценено.

Маслени бои върху платно – Държавен Ермитаж, Санкт Петербург

1877 Парижка улица, Дъждовен ден
Художник: Гюстав Кайбот

Въпреки че работата на Гюстав Кайбот се придържа към ясно изразена реалистична естетика, тя също така отразява загрижеността за съвременния живот, която е централна за импресионизма. Парижка улица, Дъждовен ден показва тази тенденция в творчеството на Кайбот. Панорамната гледка на облян в дъжд булевард ни показва наскоро реновирания парижки метрополис, докато анонимните фигури на заден план сякаш капсулират отчуждението на индивида в съвременния град. Картината се съсредоточава върху апатичния поглед на мъжката фигура на преден план, който олицетворява хладната необвързаност на фланьора, облечен в характерното си черно палто и цилиндър. Подобно на другите картини на Кайбот, тази работа изследва влиянието на модерността върху човешката психология, мимолетните впечатления от улицата и ефекта на променящата се градска сфера върху обществото.

Кайбот е един от най-младите художници, свързани с импресионизма, роден в богато семейство от висшата класа през 1848 г. Личното му богатство означава, че той може да подкрепя колеги художници като покровител, като същевременно излага заедно с тях. Вероятно отчасти поради тази причина той се свърза с групата, тъй като въпреки неговия блясък има няколко отличителни точки в неговия подход. Неговото голямо внимание към детайлите на човешката форма, например, и неговата относително близка, натуралистична работа с четка е по-близка по дух до традицията на реализма, отколкото до импресионизма. Работата на Кайбот често се сравнява в това отношение с тази на Дега. Нещо повече, и двамата художници са били силно повлияни от фотографията, често рамкирайки сцените си по такъв начин, че да изглеждат като моментни снимки, а не като внимателни аранжировки, със сгради и тела, разрязани наполовина от ръбовете на платната (както по-горе или в Дега Плас дьо ла Конкорд [1875]).

Въпреки тези точки, произведенията на Кайбот са важни за прокарването напред на импресионистичния акцент върху изобразяването на ежедневието. Наистина, въпреки произхода си, той беше умел в улавянето на работния и психологическия живот на обикновените парижани: не само в сцени на градска мъка на средната класа, като Парижка улица, но също и в сцени на физически труд, като монументалната му картина от 1875 г. „Паркет“

Маслени бои върху платно – Институтът по изкуствата в Чикаго

1874 Мъгла, Воазен
Художник: Алфред Сисли

Красивата пасторална сцена на Алфред Сисли демонстрира нежна цветова палитра, напомняне за спокойствие и мир и акцент върху цялостното качество и атмосфера на пейзаж над и над конкретни детайли и човешки форми. Главният герой на тази картина, берейки спокойно цветя, е почти изцяло скрит от гъстата мъгла, която засенчва поляната. Както в голяма част от работата на Сисли, човешкото тяло изглежда влято в естествената сцена, превръщайки се едновременно в аспект и израз на един по-широк природен свят.

Роден във Франция на английски родители, Алфред Сисли се запознава с Писаро и Моне в началото на формирането на групата, ставайки техни състуденти в студиото на швейцарския художник Чарлз Глейър през 1862 г. Сисли и Моне ще станат най-отдадените и ослепителни поддръжници на пленерната техника, но съдбата им ще ги отведе в различни посоки. Докато Моне от средната класа е постигнал финансов успех и слава до края на живота си, синът на търговеца на коприна Сисли, роден в богатство, завършва дните си в относителна бедност, след като бизнесът на баща му се проваля по време на Френско-пруската война от 1870-1871. Картините на Сисли ще донесат истински финансов успех едва след смъртта му. Въпреки това, той остава плодотворен през целия си живот и е дълбоко отдаден на идеалите на импресионистичната школа.

Наистина, примерът с Мъгла, Воазен подсказва, че Сисли е може би най-типичният художник-импресионист от цялата група. Съсредоточавайки се почти изключително върху представянето на светлина и атмосфера, като същевременно намалява значението на човешката форма – подход, който много от неговите връстници биха се уморили от по-късно в кариерата си – Сисли демонстрира всепоглъщащата си загриженост за представянето на момента на възприятието.

Маслени бои върху платно – Musée d’Orsay, Париж

Източник: https://www.theartstory.org