Откакто можем да използваме ръцете си, ние създаваме уникални произведения на изкуството, които документират нашия контекст и състояние на ума. От ранните пещерни рисунки до тавана на Сикстинската капела, човешкото художествено изразяване може да ни разкаже много за живота на хората, които са го създали. За да оцените напълно културното, социалното и историческото значение на различните произведения на изкуството, трябва да сте наясно с хронологията на историята на изкуството и основните периоди, които са я оформили. Тази статия представя преглед на най-значимите епохи на изкуството и историческите контексти, от които то произлиза.
Епохи на изкуството:
Проследяване на най-ранните периоди на изкуството
Най-ранните произведения на изкуството са идентифицирани като палеолитни пещерни рисунки, които датират отпреди приблизително 40 000 години. Има много открития, които документират човешката дейност от този период и са се оформили в много грандиозни картини и рисунки на скални убежища. Въпреки че не са ясни причините, поради които ранните хора са започнали да създават изкуство, това е останало последователна практика от векове. Учените стесняват целите на ранното изкуство като инструмент за записване на ранните култури, преживявания и местни разкази, така че тези изображения и истории да бъдат предадени на следващото поколение.
Тези праисторически скални рисунки са в пещерата Манда Гуели в планината Енеди, Чад, Централна Африка. Камили са рисувани върху по-ранни изображения на едър рогат добитък, вероятно отразяващи климатичните промени.
Въпреки многото изящни примери за ранно художествено изразяване, официалната история на изкуството е призната от романската епоха. Официалните графики за ерата на изкуството не включват пещерни рисунки, скулптури и други произведения на изкуството от каменната ера или красивите фрески, създадени в Египет и Крит около 2000 г. пр.н.е.
Причината за това е, че тези ранни епохи на художествено изразяване са били обвързани със сравнително малко географско пространство. Официалните епохи на изкуството, които ще обсъждаме днес, обхващат много страни и са възникнали най-вече в Европа и части от Северна и Южна Америка. Въпреки липсата на официално признание, тези най-ранни примери за човешки артистичен усет повдигат много интересни въпроси. Къде ранните хора са се научили да рисуват толкова реалистично, какво е вдъхновило ранните хора да създават изкуство и дали изкуството е било практика, която се е преподавала в праисторическите цивилизации?
Тази статия, се надявам да ви даде известна представа за непрекъснато променящия се артистичен стил на човешкия творчески ум, докато изследваме сложността на различните периоди на изкуството.
Преглед на хронологията на различните периоди на изкуството
Както при много области от човешката история, е невъзможно да се очертаят с точност различните периоди на изкуството. Датите, представени в скобите по-долу, са приблизителни въз основа на развитието на всяко движение в няколко държави. Много от периодите на изкуството се припокриват значително, като някои от по-новите епохи се появяват по едно и също време. Някои епохи продължават няколко хиляди години, докато други обхващат по-малко от 10 години. Изкуството е непрекъснат процес на изследване, при който по-новите периоди израстват от съществуващите.
| Период на изкуството | Години |
| Византийски | 330 – 1453 |
| Романски | 1000 – 1150 |
| Готика | 1140 – 1600 |
| Ренесанс | 1495 – 1527 |
| Маниеризъм | 1520 – 1600 |
| Барок | 1600 – 1725 |
| Рококо | 1720 – 1760 |
| Неокласицизъм | 1770 – 1840 |
| Романтизъм | 1800 – 1850 |
| Реализъм | 1840 – 1870 |
| Прерафаелит | 1848 – 1854 |
| Импресионизъм | 1870 – 1900 |
| Натурализъм | 1880 – 1900 |
| Символизъм | 1886 – 1900 |
| Постимпресионизъм | 1886 – 1905 |
| Експресионизъм | 1890 – 1939 |
| Арт Нуво | 1895 – 1915 |
| Кубизъм | 1905 – 1939 |
| Футуризъм | 1909 – 1918 |
| Дадаизъм | 1912 – 1923 |
| Конструктивизъм | 1913 – 1930 |
| Нова предметност | 1918 – 1933 |
| Харлемски ренесанс | 1920 – 1930 |
| Прецизионизъм | 1920 – 1950 |
| Арт Деко | 1920 – 1935 |
| Баухаус | 1920 – 1925 |
| Сюрреализъм | 1924 – 1945 |
| Абстраткен експресионизъм | 1945 – 1960 |
| Поп арт | 1956 – 1969 |
| Арте повера | 1960 – 1969 |
| Минимализъм | 1960 – 1975 |
| Оп арт | 1965 – 1970 |
| Фотореализъм | 1968 – до сега |
| Лоуброу поп сюрреализъм | 1970 – до сега |
| Съвременно изкуство | 1978 – до сега |
Изкуството от древна Гърция, включително нейните много храмове, руини и археологически обекти, ни дават представа за класическите стилове, оформили западния канон на изкуството в продължение на векове. Може да изглежда странно, че нашият разказ за времевата линия на периода на изкуството приключва преди 30 години. Концепцията за ера на изкуството изглежда неадекватна, за да обхване разнообразието от артистични стилове, които са се развили от началото на 21 век.
Има усещането сред някои историци на изкуството, че традиционната концепция за рисуване е умряла в нашата ера на забързан начин на живот и дигитално пространство, но би било неразумно да се мисли, че традиционните медии нямат място в 21-ви век. Продължаваме да споделяме нашите уникални човешки преживявания чрез изкуството, точно както са правили пещерните хора извън нашата съвременна система за класификация.
Изчерпателна хронология на движението в изкуството
Време е да се потопим малко по-дълбоко в социалния, културен и исторически контекст на всяка от отделните епохи на изкуството, които представихме по-горе. Ще видите колко епохи поемат влияние от тези преди тях. Изкуството, подобно на човешкото съзнание, непрекъснато се развива. Също така е важно да се отбележи, че тази графика на изкуството е история на западното и предимно европейското изкуство.
Византийската епоха (330 – 1453): Източна Римска империя и християнизация
Византийското изкуство е период на повишено религиозно изкуство, което е вдъхновено от християнизацията на гръцката култура и преобладаващите художествени стилове на Римската империя. Периодът на византийското изкуство започва около 330 г. сл. н. е. и продължава до 1453 г. Влиятелните теми от този период включват сцени от гръцката елинистична митология и християнска литература. Византийското изкуство обикновено се категоризира в три различни периода: ранновизантийска, средновизантийска и късновизантийска епохи.
Стиловете, открити във византийската живопис, са религиозни и предани и включват ъглови контури, плоски цветове и отчетлив златен фон. Византийските стилове на Римската империя проникват в архитектурата и други форми на изкуството, като правене на мозайки, интериорен декор и религиозни сгради, като напомняния на обществото за християнската вяра, която насърчава „пътя към спасението“. Центрове като Константинопол са били център на художествено изразяване, тъй като е бил център на Византийската империя и Католическата църква.
Романският период (1000 – 1300 г.): Споделяне на информация чрез изкуство
Историците на изкуството обикновено смятат епохата на романското изкуство за началото на хронологията на историята на изкуството. Романското изкуство се развива по време на възхода на християнството, около 1000 г. от н.е. През това време само малък процент от европейското население е било грамотно. Служителите на християнската църква, обикновено са част от това малцинство и за да разпространяват посланието на Библията, те се нуждаят от алтернативен метод.
След падането на Западната Римска империя през 476 г. сл. н. е. изкуството се измести от идеалите на класическите гръцки и римски стилове на изкуството, за да се съсредоточи върху религиозното изкуство, насърчавано от Християнството. Християнски предмети, истории, божества, светци и церемонии са били изключителна тема на повечето романски картини и са имали за цел да образоват масите за ценностите и вярванията на християнската църква.
Романското изкуство беше просто и включваше смели контури с чисти цветни блокове. Имаше и няколко различни форми, които художниците възприеха в романската живопис, включително стенни фрески, мозайки, пана и картини на книги.
Поради християнската цел на романските картини, те почти винаги са символични. Относителното значение на фигурите в картините се показва от размера, като по-важните фигури изглеждат много по-големи. Можете да видите, че човешките лица често са изкривени и историите, изобразени в тези картини, обикновено имат висока емоционална стойност.
Романските картини, често включват митологични същества, като дракони и ангели и почти винаги се появяват в църквите. На най-фундаменталното ниво картините от романския период служат за разпространение на словото на Библията и Християнството. Името на тази епоха на изкуството произлиза от кръглите арки, използвани в римската архитектура, често срещани в църквите от онова време.
Готическата ера (1100 – 1500): Свободата и страхът се обединяват
Една от най-известните епохи, Готическото изкуство израства от Романския период във Франция и е израз на две контрастни чувства на епохата. От една страна, хората преживяваха и празнуваха ново ниво на свобода на мисълта и религиозно разбиране. От друга страна, имаше страх, че светът е към края си. Можете ясно да видите израза на тези две контрастни напрежения в изкуството на готическия период.
Точно както в Романския период, Християнството лежи в основата на напрежението в готическата епоха. С появата на повече свобода на мисълта, мнозина се противопоставиха на конформизма, и темите на картините станаха по-разнообразни. Крепостта на църквата започна да се разпада.
Готическите картини изобразяват сцени от реалния живот, като работници на полето и сцени на лов. Фокусът се измести от божествени същества и мистични създания и се насочи към същността на това какво означава да си човек.
Човешките фигури получават много повече внимание през готическия период. Готическите художници създават по-реалистични човешки лица, тъй като стават по-индивидуални и по-малко двуизмерни. Смята се, че развитието на триизмерна перспектива е улеснило тази промяна. Художниците също обръщат повече внимание на предмети с лична стойност като облеклото, което обикновено се изобразява реалистично.
Много историци смятат, че част от причината, поради която предметите на изкуството стават по-разнообразни през готическата епоха, се дължи на увеличената повърхност за рисуване в църквите. Готическите църкви бяха по-обширни от тези от романския период, за който се смяташе, че представлява повишеното чувство за свобода по това време.
Наред с новооткритата свобода на художественото изразяване, имаше дълбок страх, че краят на света бързо наближава. Това е придружено от постепенно намаляване на вярата в църквата, което стимулира разширяването на изкуството извън църквата. Всъщност, към края на готическата епоха, произведения на Йероним фон Бош, Брьогел и други са били неподходящи за поставяне в църква.
Не познаваме много отделни художници, които са рисували през Романския период, тъй като изкуството не е свързано с това кой го рисува, а по-скоро с посланието, което носи. По този начин отдалечаването от църквата може да се види и в огромното увеличение на известни художници от готическия период, включително Джото ди Бондоне. Школи по изкуства започват да се появяват във Франция, Италия, Германия, Холандия и други части на Европа.
Епохата на Ренесанса (1420 – 1520): Възраждането на хуманизма
Епохата на Ренесанса е може би една от най-известните, включваща художници като Микеланджело и Леонардо да Винчи. Тази ера продължава да се фокусира върху отделния човек, като свое вдъхновение и поема влияние от изкуството и философията на древните римляни и гърци. Ренесансът може да се разглежда, като културно възраждане и обикновено се разбира като състоящ се от няколко художествени движения в цяла Европа.
Сандро Ботичели е сред най-популярните художници от ранния Ренесанс, който по-късно е преоткрит от художниците от прерафаелитското движение. Ранните ренесансови стилове на скулптура са доразвити от художници като Донатело, който е вдъхновен от класическата скулптура и е смятан за един от най-великите скулптори във Флоренция.
Част от това културно прераждане беше върнатият фокус върху естествения и реалистичен свят, в който хората живееха. Триизмерната перспектива стана още по-важна за изкуството на Ренесанса, както уместно демонстрира статуята на Давид на Микеланджело. Тази статуя се връща към творбите на древните гърци, тъй като е съзнателно създадена, за да се вижда от всички ъгли. Статуите от последните две епохи са били двуизмерни, предназначени да се гледат само отпред.
Същата триизмерна перспектива се пренася в картините от епохата на Ренесанса. Фреските, които са измислени преди 3000 години, са съживени от ренесансовите художници. Композициите станаха по-сложни и представянето на хората стана много по-нюансирано. Ренесансовите художници рисуват човешки тела и лица в три измерения със силен акцент върху реализма.
Боята, използвана през периода на Ренесанса, също представлява преминаване от темперна боя към маслена боя. Периодът на Ренесанса често се смята за самото начало на великите холандски пейзажни картини. Сред водещите художници на италианския Висок Ренесанс е Рафаело, който заедно с Микеланджело и Леонардо да Винчи, обхваща същността на идеалните ренесансови стилове и ценности.
Маниеризъм (1520 – 1600): Прозорец към бъдещето на кича
Разбира се, това заглавие е отчасти шега. Не цялото изкуство, създадено в тази епоха, е това, което днес бихме разбрали като „кич“. Това, което днес разбираме под кич, често е изкуствено, евтино направено и без много „класически“ вкус. Вместо това, причината да описваме изкуството от този период като кич, се дължи на относителното преувеличение, което го характеризира. Произлизайки от новооткритата свобода на човешкото изразяване, през периода на Ренесанса, художниците започват да изследват своя собствен уникален и индивидуален артистичен стил или маниер.
Микеланджело не беше свободен от преувеличението, което отличава епохата на маниеризма. Някои историци на изкуството, не смятат някои от по-късните му картини, за произведения в ренесансов стил. Изразът на чувствата, човешките жестове и елементите на облеклото са умишлено преувеличени в маниеристичните картини.
S-образната извивка на човешкото тяло, която характеризира ренесансовия стил, се трансформира в неестествена извивка на тялото. Това е първият европейски стил, който привлича художници от цяла Европа в родното си място в Италия.
Бароковата епоха (1590 – 1760): Прославянето на силата и измамата на окото
Развитието на изкуството, възхваляващо живота на хората над силата на божественото, продължава в епохата на Барока. Крале, принцове и дори папи започват да предпочитат да видят собствената си сила и престиж възхвалявани чрез изкуството, отколкото тази на Бог. Прекомерното преувеличение, което класифицира маниеризма, също продължава в периода на Барока, като сцените на картините стават все по-нереалистични и великолепни.
Бароковите картини изобразяват сцени с монарси, издигащи се в небесата, смесени с ангели и достигащи по-близо до божествеността и силата на Бог. Тук, наистина можем да видим прогресията на човешкото самочувствие и въпреки че темата не се отдалечава изцяло от религиозния символизъм, човекът все повече е централната сила в бароковите композиции.
Нови материали, които прославят богатството и статуса, като злато и мрамор, се превръщат в ценени материали за скулптури. Противоположностите на светло и тъмно, топли и студени цветове и символи на доброто и злото са подчертани отвъд това, което се среща естествено. Академиите по изкуствата се увеличават, тъй като изкуството се превръща в начин да покажете вашето богатство, сила и статус.
Изтъкнати художници от бароковия период включваха личности, като Караваджо, който се смяташе за майстор на светлината. Караваджо разшири концепциите за божественост и човешко величие, чрез поразителното си използване на контраста в портрета и религиозната живопис. Друг плодовит майстор на бароковия портрет е Рембранд, чиито театрални автопортрети продължават да вдъхновяват много художници, които се възхищават на традициите на бароковото изкуство.
Периодът на изкуството Рококо (1725 – 1780): Френската аристокрация
Картините от епохата на Рококо са характерни за френската аристокрация от онова време. Името произлиза от френската дума rocaille, което означава „миди“. Солидните форми, характеризиращи бароковия период, се смекчиха в светлина, въздух и желание. Картините от тази епоха вече не са силни и мощни, а леки и игриви.
Цветовете бяха по-светли и по-ярки, почти прозрачни в някои случаи. Много произведения на изкуството от този период пренебрегват религиозните теми, въпреки че някои художници като Тиеполо създават фрески в много църкви.
Подобно на отношението на френската аристокрация от онова време, изкуството от периода Рококо е напълно откъснато от социалната реалност. Идилията на овчаря става водеща тема на този период, представяйки живота като лек и безгрижен, без ограниченията на икономическите или социални трудности.
Класицизъм (1770 – 1840): Връщане към класицизма
Класицизмът, подобно на епохата на Рококо, започва във Франция около 1770 г. За разлика от епохата на Рококо обаче, Класизмът се връща към по-ранни, по-сериозни стилове на художествено изразяване. Подобно на периода на Ренесанса, Класицизмът се вдъхновява от класическото римско и гръцко изкуство.
Изкуството, създадено през епохата на Класицизма, се връща към строги форми, двуизмерни цветове и човешки фигури. Тонът на тези картини несъмнено беше строг. Цветовете загубиха своята символика. Изкуството, създадено през тази епоха, се използва в международен план, за да внуши чувства на патриотизъм у хората от всяка нация. Части от Класицизма включват Луис-Сейз, Ампир и Бидермайер.
Романтизъм (1790 – 1850): Добавяне на повече чувство към изкуството
Можете да видите от датите, че тази епоха на изкуството е настъпила приблизително по същото време като Класицизма. Романтизмът често се разглежда, като емоционално заредена реакция на суровата природа на Класицизма. За разлика от строгия и реалистичен характер на епохата на Класицизма, картините от епохата на Романтизма са много по-сантиментални.
Изследването на емоциите и подсъзнанието заема централно място в Романтизма. Много художници се занимават с естествената среда и често предприемат разходки, за да открият начините, по които природният свят влияе на емоциите им.
В изкуството на Романтизма няма осезаем или точно определим стил. Английските и френските художници са склонни да се съсредоточават върху ефектите на сенките и светлините, докато изкуството, създадено от немски художници, има тенденция да има повече тежест на мисълта за тях. Романтичните художници често са били критикувани и дори подигравани за тяхната интерпретация на света около тях.
Реализъм (1850 – 1925): обективност над субективност
Както епохата на Романтизма беше реакционно движение спрямо периода на Класицизма преди него, така и Реализмът е реакция на Романтизма. За разлика от красивото и дълбоко емоционално съдържание на романтичните картини, художниците реалисти представят както доброто, така и красивото, грозното и злото. Реалността на света е представена по неукрасен начин от художниците на Реализма.
Тези художници се опитват да покажат света, хората, природата и животните такива, каквито са изглеждали в действителност. В Реализма имаше фокус върху „задължението на изкуството към истината“, както е изразено от Гюстав Курбе.
Точно както при Романтизма, Реализмът не беше популярен сред всички. Картините не са особено приятни за окото и някои критици коментират, че въпреки претенциите на художника за реализъм, еротичните сцени някак си пропускат истинската еротика. Гьоте критикува Реализма, казвайки, че изкуството трябва да бъде идеално, а не реалистично. Шилер също нарича Реализма „подъл“, което показва суровостта, изобразена в много от картините.
Импресионизъм (1850 – 1895): Предвестник на ерата на модерното изкуство
Историците често описват импресионистичното движение, като началото на модерната епоха. Твърди се, че импресионистичното изкуство е затворило книгата за класическото изкуство и е един от най-лесно разпознаваемите периоди на изкуството на 20-ти век. С участието на художници като Клод Моне и Винсент ван Гог, Импресионизмът се откъсна от гладките щрихи на четката и зоните с плътен цвят, които характеризираха много периоди на изкуството преди него.
Първоначално думата Импресионизъм беше като псувня в света на изкуството, като критиците вярваха, че тези художници не рисуват с техника, а по-скоро просто размазват боя върху платно. Мазките с четка наистина бяха значително отклонение от тези, които бяха преди тях, понякога ставайки неистово изразителни. Различни форми и линии изчезнаха във вихрушка от цветове. Бяха събрани отделни точки от напълно нови цветове, особено в разнообразието от импресионистични картини на поантилизма. Обектите на импресионистичните картини, често могат да бъдат разпознати само от разстояние.
Значителна промяна, настъпила през епохата на Импресионизма, е, че рисуването започва да се извършва на пленер или на открито. Голяма част от способността на импресионистите да улавят сложните и непрекъснато променящи се цветове на естествения свят е резултат от тази промяна. Художниците-импресионисти, също започнаха да се отдалечават от желанието да изнасят лекции и да преподават, предпочитайки да създават изкуство, заради самото изкуство. Галериите и международните изложби стават все по-важни за разпространението на такива философии в изкуството и живописта.
Символизъм (1886 – 1900): Винаги има повече, отколкото се вижда на пръв поглед
Между 1886 и 1900 г. ерата на Символизма започва да се появява във Франция, като литературно движение, което скоро оказва влияние върху света на визуалното изкуство. Художниците се занимават с представянето на чувства и мисли, чрез предмети. Общите теми на движението на символизма включват смъртта, болестта, греха и страстта. Формите бяха предимно ясни, факт, който историците на изкуството смятат, че е в очакване на ерата на Арт Нуво.
Постимпресионизъм (1886 – 1905): Израз над натурализма
Постимпресионистичният период последва ерата на импресионизма и се определя от отхвърлянето на натурализма, тъй като се прилага към представянето на цвета и израза. Художественото движение също е въведено от критика на изкуството от 20-ти век Роджър Фрай през 1910 г. и е термин, използван за описание на развитието на изкуството след стиловете, предложени от Едуар Мане. Постимпресионизмът прегърна идеята за дълбок символизъм, а не просто представяне на оптически впечатления, извлечени от природата.
Известни художници, които следват стилистичните конвенции на постимпресионизма, включват Пол Гоген, Жорж Сьора, Винсент ван Гог и емблематичния Пол Сезан.
Въпреки, че тези художници са работили независимо, техните творби притежават прилики, които се различават от нормите на импресионизма и предлагат по-емоционално заредена атмосфера. Докато художници, като Жорж Сьора създават свой собствен уникален стил на рисуване, традиционните медии виждат използването на новаторски техники, които карат всеки от тези художници да се откроява от останалата част от тълпата на изкуството от началото на 20-ти век. Известни фовисти, като Анри Матис, също бяха силно повлияни от работата на известни постимпресионисти като Пол Синяк и Джон Ръсел.
Арт Нуво (1890 – 1910): Всичко, което блести, е Климт
Въпреки че Густав Климт в никакъв случай не е най-важният художник в движението Арт Нуво, той е един от най-известните. Неговият стил перфектно капсулира движението Арт Нуво с меки, извити линии, много цветя и стилистичната характеристика на човешките фигури. В много страни този стил е известен като стил Сецесион.
Изкуството, създадено в периода Арт Нуво, включва много симетрия и се характеризира с игривост и младост. Арт Нуво има много политическо съдържание, въпреки че много критици игнорират това и държат декоративните аспекти срещу него. Чрез изкуството от периода Арт Нуво художниците се опитват да върнат природата в индустриалните градове.
Експресионизъм (1890 – 1914): Внасяне на политическа острота в дебата
В ерата на изкуството на експресионизма, отново виждаме възраждане на значението на изразяването на субективни чувства. Експресионизмът произхожда от Германия и отразява критиката на много художници към властта. Художниците в това движение не се интересуваха от натурализма или от това как изглеждат нещата отвън. В резултат на това имаше оттенък на агресия в някои експресионистични картини, които често са архаични и експресивни. Василий Кандински беше един такъв модерен художник, който използва стиловете на Експресионизма в своите абстрактни композиции, за да изследва теорията на цвета, формата и чистата абстракция в живописта.
Към началото на Първата световна война експресионистичните картини имаха смущаваща интензивност. Експресионизмът беше едно такова движение, което отразяваше директни политически послания чрез рисуване и вид насилие в стилове с четка.
Кубизъм (1906 – 1914): Изкривяване на представянето
Започвайки с двама художници, Пабло Пикасо и Жорж Брак, кубисткото движение беше изцяло за фрагментация, геометрични форми и множество перспективи. Размерните равнини на ежедневните обекти бяха разбити на различни геометрични сегменти и събрани отново по начин, който представя обекта от няколко страни едновременно. Кубизмът беше отхвърляне на всички правила на традиционната западна живопис и имаше силно влияние върху стиловете в изкуството, които го следваха.
Футуризъм (1909 – 1945): Художествен анархизъм
Футуризмът е по-малко артистичен стил и повече художествено вдъхновено политическо движение. Основана от Футуристичния манифест на Томазо Маринети, който отхвърля социалната организация и християнския морал, футуристката ера е пълна с хаос, враждебност, агресия и гняв. Въпреки, че самият Маринети не е бил художник, живописта се превръща в най-известната форма на изкуство в рамките на футуристичното движение.
Тези художници яростно отхвърлят правилата на класическата живопис, вярвайки, че всичко, което се предава през поколенията (вярвания, традиции, религия) е подозрително и опасно. Войнственият характер на футуристкото движение доведе до това много хора да вярват, че то е твърде тясно свързано с фашизма.
Дадаизъм (1912 – 1920): Животът е глупост
Дада означава много неща и абсолютно нищо. Писателят Хюго Бол открива, че тази малка дума има няколко различни значения на различни езици и в същото време, като дума не означава абсолютно нищо. Движението на Дадаизма се основава на концепциите за нелогика и провокация и се разглежда не само като движение на изкуството, но и като антивоенно движение.
Нелогичността на съществуващите правила, норми, традиции и ценности беше поставена под въпрос от дадаисткото движение. Арт движението обхваща няколко форми на изкуство, включително писане, поезия, танци и изпълнителско изкуство. Част от движението беше да постави под въпрос това, което може да се класифицира като „изкуство“. Художници като Анри-Робер-Марсел Дюшан също използваха Дадаизма и Сюрреализма, за да определят основите на концептуалното изкуство, което проправи пътя напред за по-късните движения на модерното изкуство.
Дадаизмът представлява началото на екшън изкуството, в което рисуването става повече от просто портрет на реалността, а по-скоро обединение на социалните, културните и субективните части на това да бъдеш човек.
Конструктивизъм (1913 – 1930): Съюзът на кубизма и футуризма
През 1913 г. се появява руското движение „Конструктивизъм“ с абстрактните картини на Владимир Татлин, което оказва влияние върху развитието на самото абстрактно модерно изкуство. Периодът на изкуството, също е признат за историческо движение, което включва подреждането на геометрични форми по хармоничен начин. Художниците, които изследват Конструктивизма, отхвърлят ярките цветове и разширяват стиловете, открити в по-ранните движения като Супрематизма.
Концептуалната теория на епохата е оформена от Жан Пиаже, чиято работа е в областта на образователната психология и когнитивното развитие. Той изучава как хората създават смисъл и изследва връзките между човешкия опит и неговите идеи. Теорията също описва идеята, че хората създават собственото си знание.
Удебелената типография и изградените фотомонтажи се превръщат в същността на „Конструктивизъм” с минимални цветови палитри. Епохата се оказа невероятно влиятелна в областта на дизайна и архитектурата, която се измести от политически конотации към динамичен дизайнерски стил през 20-те години на миналия век. Известният руски художник Казимир Малевич също въвежда термина „Конструктивист“, като се позовава на работата на Александър Родченко, известен руски дизайнер.
Ренесансът на Харлем (1920 – 1930): Възраждането на афро-американската култура
Ренесансът на Харлем беше десетилетие на значително културно прераждане за афро-американските общности в Америка през 20-те години на миналия век. Периодът се характеризира с разпознаването и създаването на интелектуални и културни форми на изкуство, обхващащи музика, литература, визуално изкуство, поезия, политика, танци и мода от афро-американци.
Ренесансът на Харлем произхожда от нюйоркския квартал Харлем, където дебютират много културни икони, които популяризират афро-американската култура и признанието на чернокожите художници в началото на 20-ти век. Периодът насърчи силен ангажимент към политическия активизъм, който впоследствие повлия на важни движения като Движението за граждански права от 50-те години.
Сюрреализъм (1920 – 1930): Подсъзнателни реалности
Сякаш чистата нелогична природа на движението на Дадаизма не беше достатъчно необичайна, та сюрреалистите взеха света на сънищата за извор на цялата истина. Един от най-известните сюрреалистични художници е Салвадор Дали и вие непременно знаете неговата картина „Топящ се часовник“ (1954).
Сюрреализмът беше фундаментално психоаналитичен и много художници сюрреалисти рисуваха директно от сънищата си.
Понякога занимавайки се с неудобни концепции, скрити желания и табута, сюрреализмът беше директна критика на вкоренените идеи и вярвания на буржоазата. Както можете да си представите, този стил на изкуството не е бил популярен, когато е започнал, но е повлиял значително на света на модерното изкуство.
Нова обективност (1925 – 1965): Студено и техническо
Различните периоди на изкуството от 60-те години на миналия век до съвременната епоха бележат върха на модерното изкуство и развитието на художествени стилове, които се оказаха значително влиятелни при предефинирането на понятията за представяне, визуална естетика и следвоенна култура.
Движението за Нова обективност от 60-те години на миналия век се насочва към теми, които се занимават със социална и политическа критика. Турбулентността на войната накара много хора да търсят някакъв ред, за който да се придържат, и това може да се види ясно в изкуството на Новата обективност.
Изображенията, представени в Нова обективност, често бяха студени, неемоционални и технически, с някои общи теми като радиото и електрическите крушки. Както в случая с много модерни движения в изкуството, имаше няколко различни крила на движението Нова обективност.
Абстрактният експресионизъм (1948 – 1962): Отдалечаване от Европа
60-те години на миналия век създават и един от най-въздействащите периоди на изкуството, оформен от Абстрактния експресионизъм. Светът на изкуството видя много художници от Съединените щати след Втората световна война да възприемат абстрактните подходи към рисуването, като средство за изразяване на емоции. Твърди се, че Абстрактният експресионизъм е първото движение в изкуството, възникнало извън Европа. Възникнал от Северна Америка, Абстрактният експресионизъм се фокусира върху рисуване с цветни полета и екшън картини. Вместо да използват платно и четка, кофи с боя се изсипват върху земята, а художниците използват пръстите си, за да създават изображения.
Сред известните художници от 60-те години на миналия век са Марк Тоби и Джаксън Полок, които пилотират стила на арт движението. Нанасянето на боята в Абстрактния експресионизъм понякога беше толкова плътно, че готовото произведение придобиваше форма, различна като никоя друга картина преди него. Както при всяко изкуство, винаги има критици, като консервативните американци по време на Студената война го наричаха „неамериканско”.
Поп арт (1955 – 1969): Изкуството е всичко
За художниците от периода на Поп изкуството почти всеки аспект от популярната култура в света е изкуство. От реклами, тенекии, паста за зъби и тоалетни, всичко беше изкуство. Поп артът се развива едновременно в Съединените щати и Англия и се характеризира с еднакви цветови блокове и ясни линии и контури. Живописта и графиката са повлияни от фотореализма и серийните отпечатъци.
Един от най-известните английски поп художници е Дейвид Хокни, въпреки че само няколко от картините му през живота са в това движение. Друга емблематична легенда от ерата на Поп арта през 60-те години на миналия век е Анди Уорхол, чиито най-популярни произведения на изкуството са вдъхновени от ярки образи от популярната култура и най-добрите холивудски знаменитости, включително Мерилин Монро и Елизабет Тейлър.
Неоекспресионизъм (1980 – 1989): Модерен фовизъм
Започвайки през 80-те години на миналия век, Неоекспресионизмът се появява с широкоформатни представителни и жизнеутвърждаващи картини. Берлин беше централна точка за това ново движение и дизайните обикновено включваха градове и живот в големите градове. Името Неоекспресионизъм произлиза от Фовизма и въпреки, че художниците в Берлин се разпръскват през 1989 г., някои художници продължават да рисуват в този стил в Ню Йорк.
Изкуството е основна част от това какво означава да си човек. Много от проблемите и радостите, които изпитваме, могат да бъдат уловени точно само, чрез художествено изразяване. Надяваме се, че това кратко резюме на хронологията на периодите на изкуството ви е помогнало да придобиете по-добра представа за контекста около някои от най-известните произведения на изкуството.
Често задавани въпроси
Какво е период на изкуството?
В историята на изкуството, периодът на изкуството се разбира като определен период от време, който обхваща различни художници и техните произведения на изкуството, чиито произведения са класифицирани в определен стил или движение в изкуството. Периодите на изкуството, показват епохи на значителна промяна или еволюция в траекторията на изкуството и начина, по който то се разбира от обществото. Периодите на изкуството, обикновено подчертават фокусирана цел и могат да обхващат множество движения в изкуството.
Каква е разликата между художествен период и художествено движение?
Движенията в изкуството се различават от периодите на изкуството, тъй като периодите на изкуството се категоризират и разбират според времето и различните епохи, които обхващат, докато движенията в изкуството се формират от художници по съзнателен начин и споделят обща философия. Периодите на изкуството се използват за класифициране на художниците според стила на времето и е по-широка категория, която може да обхваща повече от едно движение в изкуството.
Как се нарича настоящият период на изкуството?
Периодът на изкуството на настоящето е известен като период на съвременно изкуство, който обхваща изкуството и новите стилове на изкуството, произведени от края на 70-те години до настоящето. Периодът на съвременното изкуство се характеризира с изкуство, формирано в контекста на една глобализирана и технологично напреднала ера.
Защо е важен периодът на ренесансовото изкуство?
Периодът на ренесансовото изкуство е широка епоха на изкуството, която се счита за значима за многото културни промени, настъпили в множество дисциплини в Европа. Епохата беше призната за широко разпространен период на културно възраждане – възраждането на класически теми във философията, литературата, визуалното изкуство и науката. Ренесансът включва и Северния Ренесанс, който настъпва от края на 15 век и се разпространява на север от Алпите. Северният Ренесанс се счита за особено важен, тъй като е родил много напреднали техники за маслена живопис и подходи в графиката.
От Изабела Майер
