Произход и Контекст

Наследството на Поп Арта

За да разберем възникването на Нео-попа, е важно първо да разгледаме контекста, в който той се появява. Поп Артът, който процъфтява през 50-те и 60-те години на миналия век, е реакция срещу доминиращия абстрактен експресионизъм на времето. Художници като Анди Уорхол, Рой Лихтенщайн и Клаес Олденбург се обръщат към популярната култура и масмедиите като основни източници на вдъхновение. Те празнуват обикновеното и комерсиалното, издигайки ежедневни обекти и изображения до статуса на високо изкуство.

Социални и културни промени

До края на 70-те години обществото е претърпяло значителни промени. Възходът на потребителството, глобализацията и разпространението на масмедиите са преобразили културния пейзаж. Художниците започват да се борят с тези промени, търсейки начини да изразят сложността на един бързо променящ се свят. В този контекст Нео-попът възниква като естествено продължение на Поп Арта, предлагайки свеж поглед върху същите теми и мотиви.

Ключови фигури и движения

Джеф Кунс

Джеф Кунс е може би най-емблематичната фигура на движението Нео-поп. Известен със своите гигантски скулптури и апроприации на кича и потребителската култура, Кунс постоянно размива границите между високото и ниското изкуство. Неговите произведения, като надуваемия заек и кучешките скулптури от балони, предизвикват усещане за игра и носталгия, като същевременно критикуват комерсиализацията на изкуството и желанието.

В скулптурата „Майкъл Джексън и Бъбълс„, той използва образа на поп иконата Майкъл Джексън, който тогава беше на върха на своята слава, за да коментира теми като знаменитост, медийна култура и личен живот. Широката усмивка на Джексън и невинният вид на Бъбълс създават контраст между публичния образ на звездата и реалността зад кулисите.

Скулптурата е изработена от порцелан с височина около 30 см и е част от серията на Кунс „Banality„.  Била е представена в различни галерии и музеи по света и остава една от най-известните творби на Кунс, която продължава да предизвиква интерес и дискусии относно връзката между изкуството и популярната култура.

Такаши Мураками

Такаши Мураками, японски художник, внесе уникална перспектива в движението Нео-поп, като смеси традиционната японска естетика със западни поп културни препратки. Неговият стил Суперфлат, характеризиращ се с ярки цветове, плоски равнини и манга-вдъхновени изображения, предизвиква конвенционалните представи за източно-западни дихотомии и празнува лекотата на глобалната култура.

Тази инсталация, представена от Creative Time, създава парадоксално и иронично съвместно съществуване на японския нео-поп и формалната елегантност на класическата архитектура Beaux-Arts на Grand Central Terminal.

Деймиън Хърст

Деймиън Хърст, друг виден художник от Нео-попа, стана известен със своите провокативни и често противоречиви произведения. Неговото използване на мъртви животни, консервирани във формалин, като „Физическата невъзможност на смъртта в ума на някой жив“ (1991), конфронтира зрителите със смъртността и крехкостта на живота. Работата на Хърст отразява дълбоката му ангажираност с пресечната точка на изкуството, науката и търговията.

Емблематични за Хърст са точковите му композиции, известни още като Фармацевтичните картини. Те имитират молекулярната структура на пристрастяващо, потенциално смъртоносно вещество, което не може да бъде достъпно без съгласието на лекар. По този начин тези картини са остроумен коментар за фармацевтична индустрия за милиарди долари, която раздава лекарства като бонбони.

Ричард Принс

Ричард Принс  е американски художник, фотограф и скулптор, известен със своите провокативни и концептуални произведения. Роден през 1949 г., той става известен през 80-те години на XX век с работата си в областта на изкуството на повторното използване (appropriation art), където използва съществуващи изображения от популярната култура и ги преосмисля чрез своя уникален стил.

Едно от най-известните му произведения е серията „Nurse Paintings“ (Картини на медицински сестри), която включва и емблематичната творба „Runaway Nurse“. Тази картина представлява изображение на медицинска сестра, взето от корицата на роман от 50-те години на XX век. Принс променя оригиналното изображение, като добавя ярки цветове и други елементи, създавайки нова интерпретация, която коментира теми като сексуалност, медийна манипулация и поп култура.

„Runaway Nurse“ е пример за това как Ричард Принс успява да предизвика традиционните представи за изкуство и авторство, като използва вече съществуващи образи и ги трансформира в нещо ново и провокативно. Неговите произведения често разглеждат въпросите за автентичността и оригиналността в съвременното изкуство, както и влиянието на масовата култура върху нашето възприятие за реалността.

Стилни Характеристики

Апроприация и преинтерпретация

Определяща характеристика на Нео-попа е неговото разчитане на апроприация и преинтерпретация. Художниците черпят от съществуващи изображения и обекти, често намерени в популярната култура, и ги преизползват в нови контексти. Този процес не само отдадава почит на оригиналния източник, но и кани зрителите да преосмислят своите предположения за стойност и значение.

Потребителска култура и масмедии

Художниците от Нео-попа често се занимават с потребителската култура и масмедиите, отразявайки повсеместността на рекламата и брандирането в ежедневието. Чрез включването на лога, опаковки на продукти и други комерсиални символи в техните произведения, те подчертават проникващата сила на потребителството и неговото въздействие върху индивидуалните и колективни идентичности.

Игра и ирония

Много произведения от Нео-попа демонстрират игрив и ироничен тон, често съчетавайки елементи от високото и ниското изкуство, за да създадат неочаквани комбинации. Това съчетание служи за дестабилизиране на традиционните йерархии и предизвиква установените представи за вкус и стойност. Използването на хумор и сатира позволява на художниците да критикуват обществените норми и да излагат подлежащите напрежения.

Мащаб и спектакъл

Мащабът играе значителна роля в Нео-попа, като много художници създават свръхголеми версии на познати обекти и изображения. Този акцент върху мащаба увеличава въздействието на произведението, правейки го по-визуално привлекателно и ангажиращо. Освен това спектакълът, присъщ на тези големи произведения, допринася за тяхната способност да привлекат вниманието на широка аудитория.

Критически перспективи

Критика на потребителствотоm

В основата си Нео-попът предлага критика на потребителството и комерсиализацията на изкуството. Чрез апроприиране и преконтекстуализиране на комерсиални изображения, художниците излагат механизмите на капитализма и поставят под въпрос ролята на потреблението в оформянето на индивидуалните и колективни идентичности. Тази критична позиция съответства на по-широки културни дебати относно етиката на потребителската култура и екологичните последици от прекомерното потребление.

Идентичност и представяне

Художниците от Нео-попа често изследват теми свързани с идентичността и представянето, особено в контекста на пола, расата и класата. Чрез своите произведения те предизвикват доминиращите наративи и предлагат алтернативни перспективи върху маргинализираните групи. Например, художници като Кара Уокър и Микалене Томас използват апроприирани изображения, за да се противопоставят на расовите стереотипи.

Технологии и глобализация

Интеграцията на технологиите и ефектите на глобализацията са повтарящи се теми в Нео-попа. Художниците използват цифрови инструменти и мултимедийни платформи, за да създават завладяващи и интерактивни преживявания, отразявайки все по-интероперативния характер на съвременния живот. Освен това глобалният обхват на Нео-попа демонстрира пропускливостта на националните граници и хомогенизиращите ефекти на глобалната култура.

Трайно въздействие

Влияние върху съвременното изкуство

Нео-попа има дълбоко влияние върху съвременното изкуство, вдъхновявайки следващите поколения артисти да се ангажират с популярната култура и масмедиите. Неговият акцент върху присвояването, игривостта и критичността продължава да оформя артистичните практики в различни дисциплини. Освен това търговският успех на нео-поп артистите допринесе за нарастващото приемане на изкуството като стока, размивайки границите между изкуството и търговията.

Обществена ангажираност и достъпност

Една от силните страни на Нео-попа е неговата достъпност и привлекателност за широка аудитория. Като черпят от познати образи и се занимават с универсални теми, тези творби резонират с зрители от различни среди. Тази достъпност насърчава по-голяма обществена ангажираност със съвременното изкуство, насърчавайки диалог и дебат около важни социални и културни въпроси.

Пазарна стойност и комерсиализация

Търговският успех на Нео-поп артистите доведе до повишено пазарно търсене на техните творби, повишавайки цените и трансформирайки света на изкуството. Аукционните къщи и галериите сега заемат видно място в кариерите на много Нео-поп артисти, повдигайки въпроси за връзката между изкуството и парите. Критиците твърдят, че тази комерсиализация може да компрометира артистичния интегритет, докато поддръжниците твърдят, че разширява възможностите за артистите и подкрепя растежа на пазара на изкуство.

Нео-поп движението в изкуството представлява динамично сливане на минало и настояще, отдавайки почит на наследството на поп изкуството, като същевременно обръща внимание на сложността на съвременната култура. Чрез иновативната си употреба на присвояване, игривост и критичност, нео-поп артистите предефинираха границите на изкуството и се ангажираха с належащи социални и културни проблеми. Докато гледаме напред, е ясно, че влиянието на нео-попа ще продължи да оформя траекторията на съвременното изкуство, вдъхновявайки бъдещите поколения да изследват нови пътища за творческо изразяване и критично изследване.

Източник: ARTMEDIA

Материалът Нео-поп в изкуството е публикуван за пръв път на ARTMEDIA.BG.

Васил Василев-Зуека е не само любим актьор от телевизионния екран, но и много талантлив художник с успешна кариера в живописта. Неговите картини са известни със своите живи цветове, емоционални теми и отличителен стил, който съчетава елементи от абстракция, импресионизъм и сюрреализъм. Работата му често отразява личните му преживявания и емоции, което я прави дълбоко лична и свързана с публиката.

Изложбата включва различни произведения, създадени от Зуека през последните години. Посетителите ще имат възможност да видят спираща дъха колекция от пейзажи, портрети и абстрактни картини, които показват гъвкавостта и артистичността на художника. Всяка картина разказва история, пренасяйки зрителя в различен свят, изпълнен с драматизъм, емоция и дълбочина.

Галерия Donnart е добре позната с това, че представя висококачествено съвременно изкуство от международни художници. Разположена в живописното градче Бад Ротенфелде, тя предлага идеалното място за такава забележителна изложба. Галерията ще бъде домакин на изложбата на Зуека до 30 ноември.

По време на изложбата посетителите ще имат възможност да закупят някои от произведенията на изкуството, изложени в галерията, както и да се срещнат лично с Васил Василев-Зуека и да обсъдят неговата работа и вдъхновение. Това събитие със сигурност ще бъде акцент в културния календар за 2024 г., привличайки любители на изкуството, колекционери и фенове на Зуека от цял ​​свят.

Изложбата обещава да бъде незабравимо изживяване, което демонстрира невероятния талант и креативност на един многостранен артист. Независимо дали сте дългогодишен фен на работата на Зуека или просто ценител на изкуството, който търси ново вдъхновение, тази изложба със сигурност ще остави трайно впечатление у вас. Така че отбележете календарите си и се пригответе да се потопите в магическия свят на Васил Василев-Зуека в галерия Donnart от 2 до 30 ноември 2024 г.

„Не съм художник, аз съм актьор и творец, който се е занимавал с драматургия, затова темите, по които рисувам, си ги избирам драматургично. Начинът на изграждане на самата композиция при мен е театрален, драматургично го правя. Тръгвам от идеята или от конкретен образ, който носи идеята, и мисля за цветове и за техника. Всяка една картина е следващият урок за мен, продължавам да се уча” заяви Зуека в свое интервю за „РадиоТочка“ по БНР. Зуека има планове за участие в изложба и в Българския културен институт в Рим, а през октомври 2025 г. планира самостоятелна такава в Палма де Майорка.

За автора

Васил Василев, по-известен като Зуека, е многостранен талант, който се е доказал в различни области през цялата си кариера. Въпреки че повечето хора го познават с работата му в телевизията и театъра, той също е страстен художник, който има дълбок интерес към света на изкуството.

Роден е на 30 април 1965 г. в Сливен, България. Завършва актьорско майсторство във ВИТИЗ „Кръстьо Сарафов“ в класа на проф. Илков през 1992 г. Участва в студентското предаване от началото на 90-те „Ку-ку“, както и в наследника му – „Каналето“. Бил е водещ на предаванията: „Господари на ефира“, „Понеделник 8 ½“, „Като две капки вода“ и „Маскираният певец“. Участвал е във филмите „Граница“, „Асистентът“, „Хълмът на боровинките“, „Светът е голям и спасение дебне отвсякъде“, „Съдилището“, „Посоки“, „В кръг“, в сериала „Полицаите от края на града“ и мн. др.

През 1992 с Нина Димитрова основават театър „Кредо“. Първата им постановка – „Шинел“ (по Гогол) – има повече от 500 представления, играят я на сцената на Театър 199 и по света на девет езика. Носител е на над 16 международни награди.  Получава наградата „Икар“ на Съюза на артистите в България – Специална награда ИКАР за принос в популяризирането на българското театрално изкуство по света (2008). На Стената на славата пред Театър 199 има пано с отпечатъците му.

От май 2021 г. живее в Испания поради желанието да смени „страната с друга, в която законите се спазват“ и се отдава на дългогодишната си страст – рисуването. През 2021 има реализирани няколко самостоятелни и колективни изложби – самостоятелна в галерия „U PARK“, Пловдив, в галерия „БОГОРИДИ“, Бургас – съвместно с Гергана Лалова, с групата “Любов на стативи” участва в 4 общи изложби в София, Пловдив, Благоевград и Русе.

Художествен стил и влияния

Художественият стил на Зуека може да бъде описан като смесица от абстракция и фигуративни елементи, често включващи хумор и сатира. Работата му варира от живопис до рисунка и колаж, като всяка творба отразява неговото уникално виждане за света около него.

По отношение на своите влияния, Зуека черпи вдъхновение от широк спектър от художници и движения, включително кубизма на Пабло Пикасо, сюрреализма на Салвадор Дали и абстрактния експресионизъм на Джаксън Полък. Освен това той е повлиян от съвременни артисти като Деймиън Хърст и Банкси, които разшириха границите на традиционното изкуство чрез иновативни техники и концептуални идеи.

Изложби

Май 2021: Първа самостоятелна изложба в U PARK Gallery, Пловдив, България

Август 2021: Съвместна изложба с Гергана Лалова в Bogoridi Gallery, Бургас, България

17 Март – 5 Април 2022: Самостоятелна изложба живопис „Моите герои” в Le Papillon Art Gallery, Варна, България

Експозицията включва 22 платна и носи името „Моите герои“. Историите в картини на героите на Зуека носят личната емоция и са провокирани от различни театрални постановки. От идеи, мечти и проблеми.

„Моите герои са хората от улицата, в картините ми са по–скоро ангелите на хората от улицата. Тоест тяхната душа, техният дух, онова, което е нашата човешка същност. Хората, които се стремят да летят, хората, които се захранват с хубави новини, хората, които обичат„, казва Васил Василев-Зуек

Октомри 2022: Самостоятелна изложба в Cultural Center Magura, Чикаго, САЩ

В Чикаго са показани 33 картини под наслов „Моят свят“, част от най-новите търсения на автора. Творческата му фантазия е безгранична и това се вижда в специално рисуваните за изложбата платна. От 1-ви ноември експозицията е била изложена в Prospect Heights Library, а от 1-ви декември – в Niles-Main District Library.

• Ноември 2022: Самостоятелна изложба в Prospect Heights Library,  Чикаго, САЩ;
• Декември 2022: Самостоятелна изложба в Main-Niles Library, Чикаго, САЩ.

Март 2023: Съвместна изложба в Albir Gallery, Албир, Испания

Април 2023: Самостоятелна изложба в Albir Gallery, Албир, Испания

Юни 2023: Съвместна изложба в Art Altaia, Алтеа, Испания

Юли 2023: Участие в Summer Festival – Albir Gallery, Албир, Испания

30 Май 2024: Изложба „Моят свят“ (Mi Mundo) в Културен център “Lope de Vega”, Мадрид, Испания

Септември 2024: Съвместна изложба на Васил Василев- Зуека и Валентина Вечерка „Там, където е сърцето“ в Българския културен институт „Дом Витгенщайн“, Виена, Австрия

2 -30 Ноември 2024: Изложба в Donnart Kunst Galerie, Бад Ротенфелде, Германия.

You can view his works at: https://www.zouek-art.com

Принос към българската култура

„Целият ми живот е минал в това да казвам на хората неща, които смятам, че са полезни. Дали ще го правя с картина или с нещо друго – няма никакво значение. Аз рисувам театрални картини, защото през целия си живот съм правил няколко неща: театър, кино и телевизия. Просто сменям театралните средства с боя, с друго художествено средство, за да изразя същата идея. В главата ми е населено с много образи. Това е просто въображението ми. Цял живот съм правил едно и също нещо – споделял съм идеи и моето мнение за определени явления или процеси в нашата държава, и въобще за взаимоотношенията между хората.
Това е, което ме вълнува.“
Васил Василев – Зуек

През цялата си кариера Васил Василев-Зуека е допринесъл значително за развитието на културната сцена в България, не само като актьор и телевизионен водещ, но и като уважаван художник. Неговите изложби са привлекли широка аудитория, представяйки уникална гледна точка към света на изкуството и предизвиквайки конвенционалните представи, за това какво може да бъде едно произведение на изкуството.

Кариерата на Васил Василев-Зуека като художник е белязана от неговата креативност, отдаденост и желание да експериментира с различни художествени стилове и медии.

Докато продължава да твори и да споделя своите произведения на изкуството с публиката, Зуека несъмнено ще продължи да оставя незаличима следа в света на изкуството, служейки като вдъхновение за бъдещите поколения художници и обогатявайки културното наследство на България.

Източник: ARTMEDIA

Материалът Изкуството на Зуека озарява галерия Donnart Kunst Galerie е публикуван за пръв път на ARTMEDIA.BG.

Епохи на изкуството:
Проследяване на най-ранните периоди на изкуството

Най-ранните произведения на изкуството са идентифицирани като палеолитни пещерни рисунки, които датират отпреди приблизително 40 000 години. Има много открития, които документират човешката дейност от този период и са се оформили в много грандиозни картини и рисунки на скални убежища. Въпреки че не са ясни причините, поради които ранните хора са започнали да създават изкуство, това е останало последователна практика от векове. Учените стесняват целите на ранното изкуство като инструмент за записване на ранните култури, преживявания и местни разкази, така че тези изображения и истории да бъдат предадени на следващото поколение.

Тези праисторически скални рисунки са в пещерата Манда Гуели в планината Енеди, Чад, Централна Африка. Камили са рисувани върху по-ранни изображения на едър рогат добитък, вероятно отразяващи климатичните промени.

Въпреки многото изящни примери за ранно художествено изразяване, официалната история на изкуството е призната от романската епоха. Официалните графики за ерата на изкуството не включват пещерни рисунки, скулптури и други произведения на изкуството от каменната ера или красивите фрески, създадени в Египет и Крит около 2000 г. пр.н.е.

Причината за това е, че тези ранни епохи на художествено изразяване са били обвързани със сравнително малко географско пространство. Официалните епохи на изкуството, които ще обсъждаме днес, обхващат много страни и са възникнали най-вече в Европа и части от Северна и Южна Америка. Въпреки липсата на официално признание, тези най-ранни примери за човешки артистичен усет повдигат много интересни въпроси. Къде ранните хора са се научили да рисуват толкова реалистично, какво е вдъхновило ранните хора да създават изкуство и дали изкуството е било практика, която се е преподавала в праисторическите цивилизации?

Тази статия, се надявам да ви даде известна представа за непрекъснато променящия се артистичен стил на човешкия творчески ум, докато изследваме сложността на различните периоди на изкуството.

Преглед на хронологията на различните периоди на изкуството

Както при много области от човешката история, е невъзможно да се очертаят с точност различните периоди на изкуството. Датите, представени в скобите по-долу, са приблизителни въз основа на развитието на всяко движение в няколко държави. Много от периодите на изкуството се припокриват значително, като някои от по-новите епохи се появяват по едно и също време. Някои епохи продължават няколко хиляди години, докато други обхващат по-малко от 10 години. Изкуството е непрекъснат процес на изследване, при който по-новите периоди израстват от съществуващите.

Изкуството от древна Гърция, включително нейните много храмове, руини и археологически обекти, ни дават представа за класическите стилове, оформили западния канон на изкуството в продължение на векове. Може да изглежда странно, че нашият разказ за времевата линия на периода на изкуството приключва преди 30 години. Концепцията за ера на изкуството изглежда неадекватна, за да обхване разнообразието от артистични стилове, които са се развили от началото на 21 век.

Има усещането сред някои историци на изкуството, че традиционната концепция за рисуване е умряла в нашата ера на забързан начин на живот и дигитално пространство, но би било неразумно да се мисли, че традиционните медии нямат място в 21-ви век. Продължаваме да споделяме нашите уникални човешки преживявания чрез изкуството, точно както са правили пещерните хора извън нашата съвременна система за класификация.

Изчерпателна хронология на движението в изкуството

Време е да се потопим малко по-дълбоко в социалния, културен и исторически контекст на всяка от отделните епохи на изкуството, които представихме по-горе. Ще видите колко епохи поемат влияние от тези преди тях. Изкуството, подобно на човешкото съзнание, непрекъснато се развива. Също така е важно да се отбележи, че тази графика на изкуството е история на западното и предимно европейското изкуство.

Византийската епоха (330 – 1453): Източна Римска империя и християнизация

Византийското изкуство е период на повишено религиозно изкуство, което е вдъхновено от християнизацията на гръцката култура и преобладаващите художествени стилове на Римската империя. Периодът на византийското изкуство започва около 330 г. сл. н. е. и продължава до 1453 г. Влиятелните теми от този период включват сцени от гръцката елинистична митология и християнска литература. Византийското изкуство обикновено се категоризира в три различни периода: ранновизантийска, средновизантийска и късновизантийска епохи.

Стиловете, открити във византийската живопис, са религиозни и предани и включват ъглови контури, плоски цветове и отчетлив златен фон. Византийските стилове на Римската империя проникват в архитектурата и други форми на изкуството, като правене на мозайки, интериорен декор и религиозни сгради, като напомняния на обществото за християнската вяра, която насърчава „пътя към спасението“. Центрове като Константинопол са били център на художествено изразяване, тъй като е бил център на Византийската империя и Католическата църква.

Романският период (1000 – 1300 г.): Споделяне на информация чрез изкуство

Историците на изкуството обикновено смятат епохата на романското изкуство за началото на хронологията на историята на изкуството. Романското изкуство се развива по време на възхода на християнството, около 1000 г. от н.е. През това време само малък процент от европейското население е било грамотно. Служителите на християнската църква, обикновено са част от това малцинство и за да разпространяват посланието на Библията, те се нуждаят от алтернативен метод.

След падането на Западната Римска империя през 476 г. сл. н. е. изкуството се измести от идеалите на класическите гръцки и римски стилове на изкуството, за да се съсредоточи върху религиозното изкуство, насърчавано от Християнството. Християнски предмети, истории, божества, светци и церемонии са били изключителна тема на повечето романски картини и са имали за цел да образоват масите за ценностите и вярванията на християнската църква.

Романското изкуство беше просто и включваше смели контури с чисти цветни блокове. Имаше и няколко различни форми, които художниците възприеха в романската живопис, включително стенни фрески, мозайки, пана и картини на книги.

Поради християнската цел на романските картини, те почти винаги са символични. Относителното значение на фигурите в картините се показва от размера, като по-важните фигури изглеждат много по-големи. Можете да видите, че човешките лица често са изкривени и историите, изобразени в тези картини, обикновено имат висока емоционална стойност.

Романските картини, често включват митологични същества, като дракони и ангели и почти винаги се появяват в църквите. На най-фундаменталното ниво картините от романския период служат за разпространение на словото на Библията и Християнството. Името на тази епоха на изкуството произлиза от кръглите арки, използвани в римската архитектура, често срещани в църквите от онова време.

Готическата ера (1100 – 1500): Свободата и страхът се обединяват

Една от най-известните епохи, Готическото изкуство израства от Романския период във Франция и е израз на две контрастни чувства на епохата. От една страна, хората преживяваха и празнуваха ново ниво на свобода на мисълта и религиозно разбиране. От друга страна, имаше страх, че светът е към края си. Можете ясно да видите израза на тези две контрастни напрежения в изкуството на готическия период.

Точно както в Романския период, Християнството лежи в основата на напрежението в готическата епоха. С появата на повече свобода на мисълта, мнозина се противопоставиха на конформизма, и темите на картините станаха по-разнообразни. Крепостта на църквата започна да се разпада.

Готическите картини изобразяват сцени от реалния живот, като работници на полето и сцени на лов. Фокусът се измести от божествени същества и мистични създания и се насочи към същността на това какво означава да си човек.

Човешките фигури получават много повече внимание през готическия период. Готическите художници създават по-реалистични човешки лица, тъй като стават по-индивидуални и по-малко двуизмерни. Смята се, че развитието на триизмерна перспектива е улеснило тази промяна. Художниците също обръщат повече внимание на предмети с лична стойност като облеклото, което обикновено се изобразява реалистично.

Много историци смятат, че част от причината, поради която предметите на изкуството стават по-разнообразни през готическата епоха, се дължи на увеличената повърхност за рисуване в църквите. Готическите църкви бяха по-обширни от тези от романския период, за който се смяташе, че представлява повишеното чувство за свобода по това време.

Наред с новооткритата свобода на художественото изразяване, имаше дълбок страх, че краят на света бързо наближава. Това е придружено от постепенно намаляване на вярата в църквата, което стимулира разширяването на изкуството извън църквата. Всъщност, към края на готическата епоха, произведения на Йероним фон Бош, Брьогел и други са били неподходящи за поставяне в църква.

Не познаваме много отделни художници, които са рисували през Романския период, тъй като изкуството не е свързано с това кой го рисува, а по-скоро с посланието, което носи. По този начин отдалечаването от църквата може да се види и в огромното увеличение на известни художници от готическия период, включително Джото ди Бондоне. Школи по изкуства започват да се появяват във Франция, Италия, Германия, Холандия и други части на Европа.

Епохата на Ренесанса (1420 – 1520): Възраждането на хуманизма

Епохата на Ренесанса е може би една от най-известните, включваща художници като Микеланджело и Леонардо да Винчи. Тази ера продължава да се фокусира върху отделния човек, като свое вдъхновение и поема влияние от изкуството и философията на древните римляни и гърци. Ренесансът може да се разглежда, като културно възраждане и обикновено се разбира като състоящ се от няколко художествени движения в цяла Европа.

Сандро Ботичели е сред най-популярните художници от ранния Ренесанс, който по-късно е преоткрит от художниците от прерафаелитското движение. Ранните ренесансови стилове на скулптура са доразвити от художници като Донатело, който е вдъхновен от класическата скулптура и е смятан за един от най-великите скулптори във Флоренция.

Част от това културно прераждане беше върнатият фокус върху естествения и реалистичен свят, в който хората живееха. Триизмерната перспектива стана още по-важна за изкуството на Ренесанса, както уместно демонстрира статуята на Давид на Микеланджело. Тази статуя се връща към творбите на древните гърци, тъй като е съзнателно създадена, за да се вижда от всички ъгли. Статуите от последните две епохи са били двуизмерни, предназначени да се гледат само отпред.

Същата триизмерна перспектива се пренася в картините от епохата на Ренесанса. Фреските, които са измислени преди 3000 години, са съживени от ренесансовите художници. Композициите станаха по-сложни и представянето на хората стана много по-нюансирано. Ренесансовите художници рисуват човешки тела и лица в три измерения със силен акцент върху реализма.

Боята, използвана през периода на Ренесанса, също представлява преминаване от темперна боя към маслена боя. Периодът на Ренесанса често се смята за самото начало на великите холандски пейзажни картини. Сред водещите художници на италианския Висок Ренесанс е Рафаело, който заедно с Микеланджело и Леонардо да Винчи, обхваща същността на идеалните ренесансови стилове и ценности.

Маниеризъм (1520 – 1600): Прозорец към бъдещето на кича

Разбира се, това заглавие е отчасти шега. Не цялото изкуство, създадено в тази епоха, е това, което днес бихме разбрали като „кич“. Това, което днес разбираме под кич, често е изкуствено, евтино направено и без много „класически“ вкус. Вместо това, причината да описваме изкуството от този период като кич, се дължи на относителното преувеличение, което го характеризира. Произлизайки от новооткритата свобода на човешкото изразяване, през периода на Ренесанса, художниците започват да изследват своя собствен уникален и индивидуален артистичен стил или маниер.

Микеланджело не беше свободен от преувеличението, което отличава епохата на маниеризма. Някои историци на изкуството, не смятат някои от по-късните му картини, за произведения в ренесансов стил. Изразът на чувствата, човешките жестове и елементите на облеклото са умишлено преувеличени в маниеристичните картини.

S-образната извивка на човешкото тяло, която характеризира ренесансовия стил, се трансформира в неестествена извивка на тялото. Това е първият европейски стил, който привлича художници от цяла Европа в родното си място в Италия.

Бароковата епоха (1590 – 1760): Прославянето на силата и измамата на окото

Развитието на изкуството, възхваляващо живота на хората над силата на божественото, продължава в епохата на Барока. Крале, принцове и дори папи започват да предпочитат да видят собствената си сила и престиж възхвалявани чрез изкуството, отколкото тази на Бог. Прекомерното преувеличение, което класифицира маниеризма, също продължава в периода на Барока, като сцените на картините стават все по-нереалистични и великолепни.

Бароковите картини изобразяват сцени с монарси, издигащи се в небесата, смесени с ангели и достигащи по-близо до божествеността и силата на Бог. Тук, наистина можем да видим прогресията на човешкото самочувствие и въпреки че темата не се отдалечава изцяло от религиозния символизъм, човекът все повече е централната сила в бароковите композиции.

Нови материали, които прославят богатството и статуса, като злато и мрамор, се превръщат в ценени материали за скулптури. Противоположностите на светло и тъмно, топли и студени цветове и символи на доброто и злото са подчертани отвъд това, което се среща естествено. Академиите по изкуствата се увеличават, тъй като изкуството се превръща в начин да покажете вашето богатство, сила и статус.

Изтъкнати художници от бароковия период включваха личности, като Караваджо, който се смяташе за майстор на светлината. Караваджо разшири концепциите за божественост и човешко величие, чрез поразителното си използване на контраста в портрета и религиозната живопис. Друг плодовит майстор на бароковия портрет е Рембранд, чиито театрални автопортрети продължават да вдъхновяват много художници, които се възхищават на традициите на бароковото изкуство.

Периодът на изкуството Рококо (1725 – 1780): Френската аристокрация

Картините от епохата на Рококо са характерни за френската аристокрация от онова време. Името произлиза от френската дума rocaille, което означава „миди“. Солидните форми, характеризиращи бароковия период, се смекчиха в светлина, въздух и желание. Картините от тази епоха вече не са силни и мощни, а леки и игриви.

Цветовете бяха по-светли и по-ярки, почти прозрачни в някои случаи. Много произведения на изкуството от този период пренебрегват религиозните теми, въпреки че някои художници като Тиеполо създават фрески в много църкви.

Подобно на отношението на френската аристокрация от онова време, изкуството от периода Рококо е напълно откъснато от социалната реалност. Идилията на овчаря става водеща тема на този период, представяйки живота като лек и безгрижен, без ограниченията на икономическите или социални трудности.

Класицизъм (1770 – 1840): Връщане към класицизма

Класицизмът, подобно на епохата на Рококо, започва във Франция около 1770 г. За разлика от епохата на Рококо обаче, Класизмът се връща към по-ранни, по-сериозни стилове на художествено изразяване. Подобно на периода на Ренесанса, Класицизмът се вдъхновява от класическото римско и гръцко изкуство.

Изкуството, създадено през епохата на Класицизма, се връща към строги форми, двуизмерни цветове и човешки фигури. Тонът на тези картини несъмнено беше строг. Цветовете загубиха своята символика. Изкуството, създадено през тази епоха, се използва в международен план, за да внуши чувства на патриотизъм у хората от всяка нация. Части от Класицизма включват Луис-Сейз, Ампир и Бидермайер.

Романтизъм (1790 – 1850): Добавяне на повече чувство към изкуството

Можете да видите от датите, че тази епоха на изкуството е настъпила приблизително по същото време като Класицизма. Романтизмът често се разглежда, като емоционално заредена реакция на суровата природа на Класицизма. За разлика от строгия и реалистичен характер на епохата на Класицизма, картините от епохата на Романтизма са много по-сантиментални.

Изследването на емоциите и подсъзнанието заема централно място в Романтизма. Много художници се занимават с естествената среда и често предприемат разходки, за да открият начините, по които природният свят влияе на емоциите им.

В изкуството на Романтизма няма осезаем или точно определим стил. Английските и френските художници са склонни да се съсредоточават върху ефектите на сенките и светлините, докато изкуството, създадено от немски художници, има тенденция да има повече тежест на мисълта за тях. Романтичните художници често са били критикувани и дори подигравани за тяхната интерпретация на света около тях.

Реализъм (1850 – 1925): обективност над субективност

Както епохата на Романтизма беше реакционно движение спрямо периода на Класицизма преди него, така и Реализмът е реакция на Романтизма. За разлика от красивото и дълбоко емоционално съдържание на романтичните картини, художниците реалисти представят както доброто, така и красивото, грозното и злото. Реалността на света е представена по неукрасен начин от художниците на Реализма.

Тези художници се опитват да покажат света, хората, природата и животните такива, каквито са изглеждали в действителност. В Реализма имаше фокус върху „задължението на изкуството към истината“, както е изразено от Гюстав Курбе.

Точно както при Романтизма, Реализмът не беше популярен сред всички. Картините не са особено приятни за окото и някои критици коментират, че въпреки претенциите на художника за реализъм, еротичните сцени някак си пропускат истинската еротика. Гьоте критикува Реализма, казвайки, че изкуството трябва да бъде идеално, а не реалистично. Шилер също нарича Реализма „подъл“, което показва суровостта, изобразена в много от картините.

Импресионизъм (1850 – 1895): Предвестник на ерата на модерното изкуство

Историците често описват импресионистичното движение, като началото на модерната епоха. Твърди се, че импресионистичното изкуство е затворило книгата за класическото изкуство и е един от най-лесно разпознаваемите периоди на изкуството на 20-ти век. С участието на художници като Клод Моне и Винсент ван Гог, Импресионизмът се откъсна от гладките щрихи на четката и зоните с плътен цвят, които характеризираха много периоди на изкуството преди него.

Първоначално думата Импресионизъм беше като псувня в света на изкуството, като критиците вярваха, че тези художници не рисуват с техника, а по-скоро просто размазват боя върху платно. Мазките с четка наистина бяха значително отклонение от тези, които бяха преди тях, понякога ставайки неистово изразителни. Различни форми и линии изчезнаха във вихрушка от цветове. Бяха събрани отделни точки от напълно нови цветове, особено в разнообразието от импресионистични картини на поантилизма. Обектите на импресионистичните картини, често могат да бъдат разпознати само от разстояние.

Значителна промяна, настъпила през епохата на Импресионизма, е, че рисуването започва да се извършва на пленер или на открито. Голяма част от способността на импресионистите да улавят сложните и непрекъснато променящи се цветове на естествения свят е резултат от тази промяна. Художниците-импресионисти, също започнаха да се отдалечават от желанието да изнасят лекции и да преподават, предпочитайки да създават изкуство, заради самото изкуство. Галериите и международните изложби стават все по-важни за разпространението на такива философии в изкуството и живописта.

Символизъм (1886 – 1900): Винаги има повече, отколкото се вижда на пръв поглед

Между 1886 и 1900 г. ерата на Символизма започва да се появява във Франция, като литературно движение, което скоро оказва влияние върху света на визуалното изкуство. Художниците се занимават с представянето на чувства и мисли, чрез предмети. Общите теми на движението на символизма включват смъртта, болестта, греха и страстта. Формите бяха предимно ясни, факт, който историците на изкуството смятат, че е в очакване на ерата на Арт Нуво.

Постимпресионизъм (1886 – 1905): Израз над натурализма

Постимпресионистичният период последва ерата на импресионизма и се определя от отхвърлянето на натурализма, тъй като се прилага към представянето на цвета и израза. Художественото движение също е въведено от критика на изкуството от 20-ти век Роджър Фрай през 1910 г. и е термин, използван за описание на развитието на изкуството след стиловете, предложени от Едуар Мане. Постимпресионизмът прегърна идеята за дълбок символизъм, а не просто представяне на оптически впечатления, извлечени от природата.

Известни художници, които следват стилистичните конвенции на постимпресионизма, включват Пол Гоген, Жорж Сьора, Винсент ван Гог и емблематичния Пол Сезан.

Въпреки, че тези художници са работили независимо, техните творби притежават прилики, които се различават от нормите на импресионизма и предлагат по-емоционално заредена атмосфера. Докато художници, като Жорж Сьора създават свой собствен уникален стил на рисуване, традиционните медии виждат използването на новаторски техники, които карат всеки от тези художници да се откроява от останалата част от тълпата на изкуството от началото на 20-ти век. Известни фовисти, като Анри Матис, също бяха силно повлияни от работата на известни постимпресионисти като Пол Синяк и Джон Ръсел.

Арт Нуво (1890 – 1910): Всичко, което блести, е Климт

Въпреки че Густав Климт в никакъв случай не е най-важният художник в движението Арт Нуво, той е един от най-известните. Неговият стил перфектно капсулира движението Арт Нуво с меки, извити линии, много цветя и стилистичната характеристика на човешките фигури. В много страни този стил е известен като стил Сецесион.

Изкуството, създадено в периода Арт Нуво, включва много симетрия и се характеризира с игривост и младост. Арт Нуво има много политическо съдържание, въпреки че много критици игнорират това и държат декоративните аспекти срещу него. Чрез изкуството от периода Арт Нуво художниците се опитват да върнат природата в индустриалните градове.

Експресионизъм (1890 – 1914): Внасяне на политическа острота в дебата

В ерата на изкуството на експресионизма, отново виждаме възраждане на значението на изразяването на субективни чувства. Експресионизмът произхожда от Германия и отразява критиката на много художници към властта. Художниците в това движение не се интересуваха от натурализма или от това как изглеждат нещата отвън. В резултат на това имаше оттенък на агресия в някои експресионистични картини, които често са архаични и експресивни. Василий Кандински беше един такъв модерен художник, който използва стиловете на Експресионизма в своите абстрактни композиции, за да изследва теорията на цвета, формата и чистата абстракция в живописта.

Към началото на Първата световна война експресионистичните картини имаха смущаваща интензивност. Експресионизмът беше едно такова движение, което отразяваше директни политически послания чрез рисуване и вид насилие в стилове с четка.  

Кубизъм (1906 – 1914): Изкривяване на представянето

Започвайки с двама художници, Пабло Пикасо и Жорж Брак, кубисткото движение беше изцяло за фрагментация, геометрични форми и множество перспективи. Размерните равнини на ежедневните обекти бяха разбити на различни геометрични сегменти и събрани отново по начин, който представя обекта от няколко страни едновременно. Кубизмът беше отхвърляне на всички правила на традиционната западна живопис и имаше силно влияние върху стиловете в изкуството, които го следваха.

Футуризъм (1909 – 1945): Художествен анархизъм

Футуризмът е по-малко артистичен стил и повече художествено вдъхновено политическо движение. Основана от Футуристичния манифест на Томазо Маринети, който отхвърля социалната организация и християнския морал, футуристката ера е пълна с хаос, враждебност, агресия и гняв. Въпреки, че самият Маринети не е бил художник, живописта се превръща в най-известната форма на изкуство в рамките на футуристичното движение.

Тези художници яростно отхвърлят правилата на класическата живопис, вярвайки, че всичко, което се предава през поколенията (вярвания, традиции, религия) е подозрително и опасно. Войнственият характер на футуристкото движение доведе до това много хора да вярват, че то е твърде тясно свързано с фашизма.

Дадаизъм (1912 – 1920): Животът е глупост

Дада означава много неща и абсолютно нищо. Писателят Хюго Бол открива, че тази малка дума има няколко различни значения на различни езици и в същото време, като дума не означава абсолютно нищо. Движението на Дадаизма се основава на концепциите за нелогика и провокация и се разглежда не само като движение на изкуството, но и като антивоенно движение.

Нелогичността на съществуващите правила, норми, традиции и ценности беше поставена под въпрос от дадаисткото движение. Арт движението обхваща няколко форми на изкуство, включително писане, поезия, танци и изпълнителско изкуство. Част от движението беше да постави под въпрос това, което може да се класифицира като „изкуство“. Художници като Анри-Робер-Марсел Дюшан също използваха Дадаизма и Сюрреализма, за да определят основите на концептуалното изкуство, което проправи пътя напред за по-късните движения на модерното изкуство.

Дадаизмът представлява началото на екшън изкуството, в което рисуването става повече от просто портрет на реалността, а по-скоро обединение на социалните, културните и субективните части на това да бъдеш човек.

Конструктивизъм (1913 – 1930): Съюзът на кубизма и футуризма

През 1913 г. се появява руското движение „Конструктивизъм“ с абстрактните картини на Владимир Татлин, което оказва влияние върху развитието на самото абстрактно модерно изкуство. Периодът на изкуството, също е признат за историческо движение, което включва подреждането на геометрични форми по хармоничен начин. Художниците, които изследват Конструктивизма, отхвърлят ярките цветове и разширяват стиловете, открити в по-ранните движения като Супрематизма.

Концептуалната теория на епохата е оформена от Жан Пиаже, чиято работа е в областта на образователната психология и когнитивното развитие. Той изучава как хората създават смисъл и изследва връзките между човешкия опит и неговите идеи. Теорията също описва идеята, че хората създават собственото си знание.

Удебелената типография и изградените фотомонтажи се превръщат в същността на „Конструктивизъм” с минимални цветови палитри. Епохата се оказа невероятно влиятелна в областта на дизайна и архитектурата, която се измести от политически конотации към динамичен дизайнерски стил през 20-те години на миналия век. Известният руски художник Казимир Малевич също въвежда термина „Конструктивист“, като се позовава на работата на Александър Родченко, известен руски дизайнер.

Ренесансът на Харлем (1920 – 1930): Възраждането на афро-американската култура

Ренесансът на Харлем беше десетилетие на значително културно прераждане за афро-американските общности в Америка през 20-те години на миналия век. Периодът се характеризира с разпознаването и създаването на интелектуални и културни форми на изкуство, обхващащи музика, литература, визуално изкуство, поезия, политика, танци и мода от афро-американци.

Ренесансът на Харлем произхожда от нюйоркския квартал Харлем, където дебютират много културни икони, които популяризират афро-американската култура и признанието на чернокожите художници в началото на 20-ти век. Периодът насърчи силен ангажимент към политическия активизъм, който впоследствие повлия на важни движения като Движението за граждански права от 50-те години.

Сюрреализъм (1920 – 1930): Подсъзнателни реалности

Сякаш чистата нелогична природа на движението на Дадаизма не беше достатъчно необичайна, та сюрреалистите взеха света на сънищата за извор на цялата истина. Един от най-известните сюрреалистични художници е Салвадор Дали и вие непременно знаете неговата картина „Топящ се часовник“ (1954).

Сюрреализмът беше фундаментално психоаналитичен и много художници сюрреалисти рисуваха директно от сънищата си.

Понякога занимавайки се с неудобни концепции, скрити желания и табута, сюрреализмът беше директна критика на вкоренените идеи и вярвания на буржоазата. Както можете да си представите, този стил на изкуството не е бил популярен, когато е започнал, но е повлиял значително на света на модерното изкуство.

Нова обективност (1925 – 1965): Студено и техническо

Различните периоди на изкуството от 60-те години на миналия век до съвременната епоха бележат върха на модерното изкуство и развитието на художествени стилове, които се оказаха значително влиятелни при предефинирането на понятията за представяне, визуална естетика и следвоенна култура.

Движението за Нова обективност от 60-те години на миналия век се насочва към теми, които се занимават със социална и политическа критика. Турбулентността на войната накара много хора да търсят някакъв ред, за който да се придържат, и това може да се види ясно в изкуството на Новата обективност.

Изображенията, представени в Нова обективност, често бяха студени, неемоционални и технически, с някои общи теми като радиото и електрическите крушки. Както в случая с много модерни движения в изкуството, имаше няколко различни крила на движението Нова обективност.

Абстрактният експресионизъм (1948 – 1962): Отдалечаване от Европа

60-те години на миналия век създават и един от най-въздействащите периоди на изкуството, оформен от Абстрактния експресионизъм. Светът на изкуството видя много художници от Съединените щати след Втората световна война да възприемат абстрактните подходи към рисуването, като средство за изразяване на емоции. Твърди се, че Абстрактният експресионизъм е първото движение в изкуството, възникнало извън Европа. Възникнал от Северна Америка, Абстрактният експресионизъм се фокусира върху рисуване с цветни полета и екшън картини. Вместо да използват платно и четка, кофи с боя се изсипват върху земята, а художниците използват пръстите си, за да създават изображения.

Сред известните художници от 60-те години на миналия век са Марк Тоби и Джаксън Полок, които пилотират стила на арт движението. Нанасянето на боята в Абстрактния експресионизъм понякога беше толкова плътно, че готовото произведение придобиваше форма, различна като никоя друга картина преди него. Както при всяко изкуство, винаги има критици, като консервативните американци по време на Студената война го наричаха „неамериканско”.

Поп арт (1955 – 1969): Изкуството е всичко

За художниците от периода на Поп изкуството почти всеки аспект от популярната култура в света е изкуство. От реклами, тенекии, паста за зъби и тоалетни, всичко беше изкуство. Поп артът се развива едновременно в Съединените щати и Англия и се характеризира с еднакви цветови блокове и ясни линии и контури. Живописта и графиката са повлияни от фотореализма и серийните отпечатъци.

Един от най-известните английски поп художници е Дейвид Хокни, въпреки че само няколко от картините му през живота са в това движение. Друга емблематична легенда от ерата на Поп арта през 60-те години на миналия век е Анди Уорхол, чиито най-популярни произведения на изкуството са вдъхновени от ярки образи от популярната култура и най-добрите холивудски знаменитости, включително Мерилин Монро и Елизабет Тейлър.

Неоекспресионизъм (1980 – 1989): Модерен фовизъм

Започвайки през 80-те години на миналия век, Неоекспресионизмът се появява с широкоформатни представителни и жизнеутвърждаващи картини. Берлин беше централна точка за това ново движение и дизайните обикновено включваха градове и живот в големите градове. Името Неоекспресионизъм произлиза от Фовизма и въпреки, че художниците в Берлин се разпръскват през 1989 г., някои художници продължават да рисуват в този стил в Ню Йорк.

Изкуството е основна част от това какво означава да си човек. Много от проблемите и радостите, които изпитваме, могат да бъдат уловени точно само, чрез художествено изразяване. Надяваме се, че това кратко резюме на хронологията на периодите на изкуството ви е помогнало да придобиете по-добра представа за контекста около някои от най-известните произведения на изкуството.

Често задавани въпроси

Какво е период на изкуството?

В историята на изкуството, периодът на изкуството се разбира като определен период от време, който обхваща различни художници и техните произведения на изкуството, чиито произведения са класифицирани в определен стил или движение в изкуството. Периодите на изкуството, показват епохи на значителна промяна или еволюция в траекторията на изкуството и начина, по който то се разбира от обществото. Периодите на изкуството, обикновено подчертават фокусирана цел и могат да обхващат множество движения в изкуството.

Каква е разликата между художествен период и художествено движение?

Движенията в изкуството се различават от периодите на изкуството, тъй като периодите на изкуството се категоризират и разбират според времето и различните епохи, които обхващат, докато движенията в изкуството се формират от художници по съзнателен начин и споделят обща философия. Периодите на изкуството се използват за класифициране на художниците според стила на времето и е по-широка категория, която може да обхваща повече от едно движение в изкуството.

Как се нарича настоящият период на изкуството?

Периодът на изкуството на настоящето е известен като период на съвременно изкуство, който обхваща изкуството и новите стилове на изкуството, произведени от края на 70-те години до настоящето. Периодът на съвременното изкуство се характеризира с изкуство, формирано в контекста на една глобализирана и технологично напреднала ера.

Защо е важен периодът на ренесансовото изкуство?

Периодът на ренесансовото изкуство е широка епоха на изкуството, която се счита за значима за многото културни промени, настъпили в множество дисциплини в Европа. Епохата беше призната за широко разпространен период на културно възраждане – възраждането на класически теми във философията, литературата, визуалното изкуство и науката. Ренесансът включва и Северния Ренесанс, който настъпва от края на 15 век и се разпространява на север от Алпите. Северният Ренесанс се счита за особено важен, тъй като е родил много напреднали техники за маслена живопис и подходи в графиката.

От Изабела Майер

Източник: https://artincontext.org

Материалът Хронология на историята на изкуството е публикуван за пръв път на ARTMEDIA.BG.

Кларис Клиф е един от най-влиятелните художници по керамика на 20-ти век и нейните творби се събират, ценят и получават възхищение по целия свят.
От изкусната елегантност на нейните предмети до смелите цветове и динамични форми на нейните дизайни в стил Арт Деко, британската майсторка Кларис Клиф проправя своя собствен път към знаменитост в керамиката. Днес керамиката на Кларис Клиф продължава да привлича вниманието на културните колекционери, така че в духа на нейната продължаваща известност, тази статия ще подчертае нейната легендарна кариера.

Коя е Кларис Клиф (1899-1972)

Родена през 1899 г. в сърцето на Стоук он Трент, един от центровете на Англия за производство на керамика, Кларис Клиф е родена в семейство от работническата класа и започва работа като чирак декоратор в местна фабрика за керамика в ранните си тийнейджърски години. Тя прекарва няколко години в Стоук он Трент, усвоявайки умения и техники, като позлатяване и емайлиране, за да може да рисува невероятни дизайни и мотиви върху керамични съдове и съчетава работата си с нощно обучение в училището по изкуства Бурслем. След това, през 1916 г., Клиф заема нова позиция в Керамична фабрика „Уилкинсън“ в Бурслем, където се реализират нейните истински таланти като керамичен художник. Освен, че я изпращат в Лондон през 20-те години на миналия век за кратко обучение в Кралския колеж по изкуствата, собствениците на „Уилкинсън“ също дават на Клиф нейното собствено студио в близката фабрика за керамика в Нюпорт.

Веднъж настанила се в „Нюпорт Потъри“, Клиф се заема със серия от новаторски дизайни през 1927 г. под това, което тя нарича „Bizarre“ изделия. Тези „кораби“ пробиха нови позиции в отговор на нарастващите тенденции в мотивите на Арт Деко и тяхната непосредствена популярност означаваше, че Клиф можеше да наеме чираци, които да й помогнат да украси нейните дизайни. Нейният надзор върху една от най-процъфтяващите работилници на епохата – наброяваща според някои сметки повече от седемдесет асистенти – до края на 20-те години на миналия век доведе до повишаването ѝ до арт директор на цялата „Нюпорт Потъри“ през 1930 г., забележително постижение за жена художничка в началото на двадесети век.

Клиф доминираше на пазара на керамика от 30-те години на миналия век с брилянтната си комбинация от смелата геометрия на движението Арт Деко и дефинираните, наситени цветове, свързани с майстори на Де Стил като Тео ван Дусбург или Пит Мондриан. Това използване на визуалния език на модерното изкуство в нейните изделия им придава жизненост и свежест, които съвременната публика обожава.

Вълнението от творенията на Клиф намаля след Втората световна война и до средата на 60-те години тя официално се пенсионира. Нейната работа беше призната през януари 1972 г. в самостоятелна изложба и въпреки че Клиф почина по-късно същата година, интересът към нейната работа започна да нараства отново през остатъка от десетилетието. През 80-те години на миналия век репродукции на някои от нейните най-емблематични серии, като нейните фигурки от „Age of Jazz“ („Епохата на джаза“), бяха пуснати в големи количества. Междувременно музеите започнаха да поглъщат нейни произведения; днес нейните изделия могат да се видят в големи колекции като тези на Музея на изкуството Метрополитън в Ню Йорк и Музея Виктория и Албърт в Лондон.

Оригинална керамика „Bizarre“ на Кларис Клиф

Оценяването на керамиката на Кларис Клиф може да бъде предизвикателство, защото, въпреки че тя е най-известна със своята линия „Bizarre“, много често този термин се прилага като обща категория за различни модели, които тя е разработила между 20-те и 30-те години на миналия век. Търсенето на „Bizarre“ модели на аукционния пазар със сигурност ще доведе до голямо разнообразие от стоки, така че може да е полезно да се потопите малко по-дълбоко, за да научите какво означава „Original Bizarre“.

Когато Клиф за първи път започна да прилага своя „Bizarre“ стил, тя експериментира върху стари парчета бяла керамика, съхранявани от „Нюпорт Потъри“, които никога не бяха продадени поради несъвършенства в съда или неговата глазура. Клиф прилага набор от смели цветни глазури в геометрични равнини върху тези повредени изделия, като не само скрива всички грешки на съда, но и трансформира цялостно изделието. Бързото нарастване на популярността на тези проекти означава, че Клиф може да спре да използва отхвърлените съдове и вместо това да направи свои собствени; тези най-ранни версии обаче, като тази „Lotus Jug“, често се наричат „Original Bizarre“, защото датират от тези ранни дни. Псевдонимът „Bizarre“ обаче се задържа в следващото десетилетие, появявайки се в популярни линии като „Bonjour“, „Melon“ и „Blue Lugano“ в ранните години на 30-те години на миналия век, а задният му печат се появява върху стоки до 1936 г.

Специални форми и дизайни на Кларис Клиф

Като се има предвид бързият успех на първоначалната й „Bizarre“ керамика и нейната нова естетика на дизайна, Клиф е поканена в средата на 30-те години да се присъедини към екип от художници, включително тези, свързани с британския Кръг Блумсбъри, които ще помогнат за разработването на нови дизайни за керамика. Тези артикули, като дизайнът „Circus“ на Клиф, в крайна сметка бяха представени в Хародс, Лондон през 1934 г. като част от кампания „Modern Art for the Table“. В същото време Клиф продължи да изследва някои от нейните „Bizarre“ теми в модели като цветните мотиви „Honolulu“ и „Fantasque“, като и двата често изобразяват пейзажи, осветени в ярки, емайлирани цветове.

Статуетки на Кларис Клиф

Един от най-иновативните аспекти на продукцията на Клиф беше нейният скок в областта на фигурките. Тя разработи редица серии, със своята естетика, в стил Арт Деко, някои, за да бъдат функционални – като нейния пепелник „Lido Lady“ – и други, за да служат като централни елементи за започване на разговор. Една такава емблематична поредица бяха фигурите от „Age of Jaz“, които първоначално се появиха през 30-те години на миналия век и се предполага, че са вдъхновени от признателността на Клиф за джаз мелодиите, заливащи радио вълните по това време. Един комплект фигурки от поредицата „Age of Jazz“ на Кларис Клиф счупи рекорди през 2018 г., когато беше продаден на търг на „Wooley & Wallis“ на международен колекционер за £15 000.

Световно влияние

Световното влияние на Клиф става ясно от история в „Pasadena Evening Post“ Калифорния, 1931 г., представяща я с кон, висок 5 фута, направен изцяло от „Bizarre“. Именно в тази статия Клиф направи това, което стана нейният най-известен цитат: „Това, че се забавлявам малко в работата си, не ме прави по-малко художник и хората, които ценят наистина красивите и оригинални творения в керамиката, не се плашат от невинна глупост.“ Рекламата, която получи в националната преса, беше безпрецедентна.
През 70-те и 80-те години на миналия век популярността на керамичните творения на Кларис Клиф се възражда, което води до колекционерство в световен мащаб и я утвърждава, като едно от ключовите имена на движението Арт Деко. 1999 г. се отбелязва в световен мащаб като годината на стогодишнината на Кларис. Оттогава работата на Клиф продължава да бъде ценена и търсена от колекционерите на керамика в стил Арт Деко.

Зашеметяващият цвят и абстрактният дизайн на керамиката й често говорят сами за себе си, а геометричните шарки могат да предизвикат смесица от реакции. Обичате или мразите, винаги ще разпознаете произведение на Кларис Клиф.

Цветната стая – филмът

Филмът проследява пътуването на един от най-бележитите британски производители на керамика от млад фабричен работник в Стоук, до легенда на керамичното движение Арт Деко от 20-те години: Кларис Клиф –  решителна жена от работническата класа. През 20-те години на миналия век, тя счупи стъкления таван и направи революция на работното място, като същевременно се превърна в един от най-великите дизайнери на Арт Деко.
Фийби Дайневър е добре избрана за ролята на Кларис, както и Матю Гууд като собственик на фабрика от висша класа и Дейвид Мориси като нейния шеф.
Цветната стая е филм, който прекрасно пресъздава духът на Кларис Клиф  – да вярваш в себе си и никога да не се отказваш от мечтите си и ако имаш страст към нещо, ще намериш начин да преодолееш препятствията, които стоят на пътя ти!

Източник: https://www.invaluable.com

Материалът Bizarre керамика от легендарната Кларис Клиф – най-влиятелният художник на керамика на 20-ти век е публикуван за пръв път на ARTMEDIA.BG.

Шансовете пред жените художници през 18 век са били почти непостижими. По-голямата част от жените, които са успели да изкарват прехраната си в изкуството, са научили занаята си от бащите си, както и младата Елизабет Виже. Ранната смърт на баща й обаче и невъзможността жените да получат обучение като чирак или в академията означават, че художника на практика е самоук. От такова неблагоприятно начало, Виже Льо Брюн се превърна в един от водещите художници в цяла Европа, способна да изисква по-високи цени за своите портрети от всеки друг художник на своето време.
Славата на Виже Льо Брюн е осигурена през 1778 г., когато е призована да нарисува първия си портрет на младата кралица Мария Антоанета. От този момент Виже Льо Брюн беше любимият портретист на кралицата, създавайки 30 портрета през следващото десетилетие на владетеля, който предпочиташе модата пред кралския протокол, често предизвиквайки скандал в процеса. Например, в повече от един случай, кралицата предпочита чувството за автономност в портрета си, за разлика от пищните украшения на френския двор, обличайки семплото облекло на селянин (или представата на кралицата за селянин).

Дъщерята на френски пастелен портретист, Елизабет Луиз Виже е родена в Париж през 1755 г. В публикуваните си мемоари, озаглавени „Сувенири“, тя описва как е била привлечена от рисуването от много ранна възраст, признавайки: „Драсках върху всичко през всички сезони, моите тетрадки и дори тези на съучениците ми бяха натъпкани с малки рисунки на глави и профили.“ Нейният любящ баща, Луи Виже, ентусиазирано насърчава нейните зараждащи се артистични усилия, позволявайки й свободно да управлява неговото студио и материали.

Изящество, елегантност и приветлив маниер, тези думи биха могли също толкова лесно да опишат личностите, изобразени в портретите на Елизабет Луиз Виже Льо Брюн, както и самата художничка. Обикновено досаден процес, репутацията на Виже Льо Брюн като оживен събеседник, в допълнение към нейния очевидно експертен талант на художник, бяха важни за клиентите, които често се страхуваха от идеята да им бъде направен портрет. Активният ангажимент между художничката и нейния обект е очевиден в завършения портрет, тъй като нейните изображения изглеждат едновременно спокойни и оживени. Тя бързо спечели най-известния си и верен поддръжник, не кой да е, а противоречивата кралица на Франция, Мария Антоанета. В нейните ръце виждаме Мария Антоанета да влиза в ролите на кралица, ездачка, моделиер и майка – някои портрети са скандални, докато други следват кралския протокол.

Мадам Льо Брюн, както е известна, е въплъщение на френската аристократична култура, която остава ключова черта на нейния стил и успех в периода на самоналожено изгнание по време на Френската революция. Като цяло, невероятната художничка създава приблизително 800 картини с дълъг списък от кралски покровители, които активно търсят нейните ласкави изображения в цяла Европа. Въпреки че портретите на Виже Льо Брюн изглеждат традиционни за съвременните зрители, тя не се стеснява да нарушава установените норми в жанра. Например приветствените жестове и леко отворената усмивка, сякаш за поздрав, открити в много от нейните портрети, предизвикаха голямо вълнение, когато дебютираха. Това, което първо предизвика скандал обаче, скоро се превърна в стил, тъй като приятният натурализъм и спокойният маниер на портретите на Виже льо Брюн станаха изключително популярни сред елита и запазена марка на отличителния стил на художника.

Изкуство от Елизабет Луиз Виже Льо Брюн

Материалът Елизабет Луиз Виже Льо Брюн: френска художничка и портретистка е публикуван за пръв път на ARTMEDIA.BG.

Неговите картини, скици и гравюри отразяват съвременни исторически катаклизми и вдъхновяват значими художници от деветнадесети и двадесети век. Гоя е известен като последният от старите майстори и първият от съвременните.

През 1786 г. Гоя е назначен за придворен художник на испанската корона и ранната му работа се определя от портрети на испанското благородство и монархия, както и модели на гоблени в стил рококо, произведени за кралския дворец.

През 1793 г. той оглушава от сериозна и неоткрита болест и в резултат на това изкуството му става по-мрачно и потискащо. За разлика от неговия социален възход, по-късните му стативи и стенописи, гравюри и скици изглежда изобразяват мрачно отношение на лично, обществено и политическо ниво.

Когато Наполеон повежда френската армия във войната на полуострова срещу Испания през 1807 г., Гоя остава в Мадрид през цялата война, което изглежда е имало дълбоко въздействие върху него.

Въпреки че не е изразявал чувствата си публично, те могат да бъдат изведени от неговата поредица от печатни издания „Ужасите на войната“ и неговите картини от 1814 г. „Втори май 1808 г.“ и „Трети май 1808 г.“.

Други творби от средния му период включват серията гравюри „Caprichos“ и „Los Disparates“, както и широка гама от картини за лудост, психиатрични заведения, вещици, фантастични същества и религиозна и политическа корупция, всички от които показват, че той се страхуваше както за съдбата на страната си, така и за собственото си психическо и физическо здраве.

Късната му кариера кулминира с „Черни картини“ от 1819–1823 г., поставени върху гипсовите стени на дома му, „Куинта дел Сордо“ (Къщата на глухия човек), където той живее във виртуална самота, разочарован от политическите илюзии и социални промени в Испания.

1. Ханибал победоносно съзерцава Италия от Алпите (1771)

2. Славата (1772)

3. Блъфът на слепеца (1789)

4. Махи на балкон (1808 – 1812)

5. Карл IV от Испания и неговото семейство (1800)

6. Облечената Маха (1800 – 1808)

7. Ужасите на войната (1810 – 1815)

8. Трети май (1808 – 1812)

9. Автопортрет (1815)

10. Дуел с тояги (1819 – 1823)

Източник: https://totenart.com/

Материалът 10-те най-добри картини на Франсиско де Гоя е публикуван за пръв път на ARTMEDIA.BG.

“Градина в Сент-Адрес” от Клод Моне

„Градината в Сент-Адрес“ от Клод Моне е нарисувана през лятото на 1867 г. в курортния град Сент-Адрес на Ламанша, близо до Хавър, Франция. Моне изобразява градина с изглед към Онфльор.

Градината се намира на южния бряг на устието на Сена срещу Хавър. Моне съчетава гладко, традиционно изобразяване с искрящи пасажи от бързи, отделни рисунки с четка и петна от чист цвят.

Предполага се, че фигурите са членове на семейството, състоящо се от бащата на Моне, братовчедите на Моне и техния баща. Въпреки че сцената създава удобна семейна обстановка, отношенията на Моне с баща му са напрегнати.

Баща му не одобряваше връзката на Моне с Камий Донсио. Камий забременява и ражда първото им дете, Жан, през 1867 г. Моне и Камий се женят през 1870 г.

Плоските хоризонтални цветни ленти на композицията напомнят за японски цветни щампи на дърво. Има отпечатък от японския художник Хокусай, който може да е вдъхновил тази картина.

Японската гравюра остава част от личната колекция на Моне до края на живота му. Японските цветни дървени гравюри са жадно събирани и изучавани от Моне и други художници от онова време като Мане, Реноар и Уислър.

Повишената перспектива и относително равномерните хоризонтални зони подчертават двуизмерността на картината. Композицията сякаш се издига успоредно на равнината на картината, вместо да се отдалечава в пространството.

Напрежението от комбинацията от илюзия и двуизмерността на повърхността е основна характеристика на това произведение на изкуството.

Източник: https://joyofmuseums.com

Материалът Градина в Сент-Адрес (1867) от Клод Моне е публикуван за пръв път на ARTMEDIA.BG.

Картина на Клод Моне край гора

Въпреки че работата на Сарджънт в акварел обикновено се свързва с по-късната фаза от кариерата му, тази картина демонстрира как той експериментира с различни медии и стилове в началото, когато се утвърждава като водещ портретист на социалния елит.

Сарджънт се запознава с Моне по време на студентските си дни в Школата по изящни изкуства в Париж и тяхното приятелство се развива през следващите години. През 1880-те години Сарджънт многократно посещава дома на Моне в Живерни, извън Париж. В този образ на неговия приятел, рисуващ природа директно на открито, Сарджънт черпи от пленерната техника на Моне. Втората съпруга на Моне, Алис, е изобразена да седи търпеливо на заден план.

Въпреки че изображението, което Моне рисува, отбелязано на статива, изобразява сцена с небето, собственото изображение на Сарджънт се фокусира повече върху двете фигури, както и върху играта на светлина върху тревата и дърветата. Възприемането на импресионистичния стил от Сарджънт тук е доста различно от по-реалистичния подход, отбелязан в неговата портретна работа. Като се има предвид това, изследването на връзката между Моне и Алис е точно нещото, с което Сарджънт е най-известен.

Обикновено Сарджънт ми е подарявал скиците, които правил на приятели и колеги художници, каквато е традицията в артистичните среди. Тази скица на Клод Моне е изключение. Остава при Сарджънт през целия му живот и е в студиото му, когато той умира, заедно с няколко произведения на Моне, които Сарджънт събира.

Oil on Canvas – Collection of the Tate, United Kingdom

Източник: https://www.theartstory.org

Материалът Картина на Клод Моне край гора (1885) от Джон Сингър Сарджънт е публикуван за пръв път на ARTMEDIA.BG.

Пейзаж с падането на Икар,
1558-60, Масло на платно, 73.5 x 112cm

Една от най-известните картини на Брьогел, Пейзаж с падането на Икар, включва пейзаж на преден план с обширен морски пейзаж, простиращ се към хоризонта. Най-близо до нас фермер бута рало и кон. Вдясно от него, на по-ниско плато, пастир пасе стадото си. Вдясно на преден план рибар, с гръб към зрителя, хвърля мрежата си на ръба на водата, докато близо до брега в долния десен ъгъл два крака ритат във въздуха: комично дребна препратка към титулярния разказ, който следователно сякаш се развива на фона на сцената.

Това е една от двете картини на Брьогел, които изобразяват историята на Икар, разказана в „Метаморфозите“ на Овидий. Това са единствените две произведения, които Брьогел създава върху митологични теми, в подчертан контраст с фокуса на неговите съвременници върху героичните разкази. Историята се върти около смъртта на Икар, момчето, което толкова много искаше да лети, че конструира крила от восък и пера. Тъй като не се вслуша в предупреждението на баща си да не лети твърде близо до слънцето, крилете му се стопиха и той се гмурна в морето. Можем да очакваме, че тази трагична развръзка ще формира централната точка на картината на Брьогел, но вместо това тя се превръща в един инцидент, вплетен във всеобхватно представяне на обикновения селски живот, а смъртта на героя е превърната в почти в смехотворна. Композицията е едновременно непочтителна и фино философски резонираща, изразяваща ясен скептицизъм към бомбастичната митологична живопис, която е доминирала през предходния век на ренесансовото изкуство.

Тази творба е била обект на много морални спекулации, въртящи се особено около различните фигури, които остават невежи за тежкото положение на Икар, само пастирът поглежда към небето, а не дори към съответното място. Изместването на Икар от центъра на сцената се тълкува като указание човек да остане фокусиран върху собственото си ежедневие. Уилям Дело Русо дори предполага, че картината може да илюстрира добре познат холандски израз „човек не остава ралото за този, който умира“. Пейзажът с падането на Икар получи най-известната си интерпретация от двадесети век от поета Уистън Хю Одън, чиято поема „Музеят на изящните изкуства“ (1938) разглежда как страданието и личната драма се случват в по-широк контекст на текущия живот.

Маслени бои върху платно – Музеи на кралските изкуства, Брюксел, Белгия

Източник: https://www.theartstory.org

Материалът Пейзаж с падането на Икар (1558-60) от Питер Брьогел е публикуван за пръв път на ARTMEDIA.BG.

Темпера върху платно – Галерия Уфици, Флоренция

Източник: https://www.theartstory.org

Материалът Раждането на Венера (1483-85) от Сандро Ботичели е публикуван за пръв път на ARTMEDIA.BG.